Chefs-d'œuvre de l'art mondial

Volée au Louvre en 1911 — et ce sont les deux ans de traque qui en ont fait le tableau le plus célèbre du monde.

Léonard de Vinci commença la Joconde à Florence au début du XVIe siècle et semble avoir continué à la perfectionner pendant des années, emportant le portrait avec lui tandis qu’il en ajustait les transitions vaporeuses, les mains et l’expression réputée insaisissable. Ce processus prolongé, presque méditatif, est l’une des raisons pour lesquelles le tableau est devenu l’une des images les plus étudiées et les plus énigmatiques de l’histoire de l’art.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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02 Première Renaissance

La Naissance de Vénus

Sandro Botticelli v. 1484-1486

Botticelli a peint ce colosse sur toile plutôt que sur panneau — assez léger pour voyager entre les villas des Médicis.

Botticelli peignit La Naissance de Vénus pour le cercle des Médicis à Florence, mêlant le mythe antique, la poésie humaniste et une figure en mouvement d’une légèreté inhabituelle. Le tableau devint l’emblème durable non seulement de la beauté, mais aussi de l’ambition de la Renaissance de concilier la nature, le corps et l’harmonie idéale.

Source de l'introduction : Uffizi

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03 Renaissance nordique

Les Époux Arnolfini

Jan van Eyck 1434

Le minuscule miroir convexe du fond reflète deux personnes qui entrent — dont l’une serait van Eyck lui-même, en un précoce autoportrait caché.

Un intérieur domestique devient un dense système de signes sur le statut, le mariage, la richesse et la présence attestée.

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04 Baroque nordique

La Jeune Fille à la perle

Johannes Vermeer v. 1665

Mauritshuis, The Hague

En 1881, elle fut vendue pour environ deux florins — le prix d'une miche de pain — tant elle était encrassée que nul n'en distinguait le sujet.

La Jeune Fille à la perle est une peinture à l’huile du maître néerlandais du Siècle d’or Johannes Vermeer, datée de 1665 environ. Désignée sous divers noms au fil des siècles, elle a acquis son titre actuel vers la fin du XXe siècle.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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05 Baroque espagnol

Les Ménines

Diego Vélasquez 1656

Musee Marmottan Monet, Paris

Les rayons X révèlent que la croix rouge de chevalier de Velázquez fut ajoutée plus tard — il ne fut fait chevalier que trois ans après le tableau.

« Les Ménines » est un tableau de 1656 conservé au musée du Prado de Madrid, œuvre de Diego Vélasquez, principal artiste de la cour du roi Philippe IV d’Espagne et du Portugal et du Siècle d’or espagnol.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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06 Impressionnisme

Impression, soleil levant

Claude Monet 1872

Le mot « impressionnisme » est né d'une raillerie sur le titre de ce tableau — volé en 1985, il ne fut retrouvé que cinq ans plus tard.

Impression, soleil levant est un tableau peint par Claude Monet en 1872, présenté pour la première fois lors de ce qui allait devenir l’« Exposition des impressionnistes », tenue à Paris en avril 1874. C’est à cette toile que l’on attribue l’origine du nom du mouvement impressionniste.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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07 Ukiyo-e

La Grande Vague de Kanagawa

Katsushika Hokusai v. 1831

The Met, New York

Sous la vague, ce ne sont pas des pêcheurs, mais des coursiers qui filaient livrer du poisson vivant aux marchés d’Edo.

La Grande Vague de Kanagawa est une estampe sur bois de l’artiste japonais de l’ukiyo-e Hokusai (1760-1849), réalisée à la fin de 1831 durant l’époque Edo de l’histoire japonaise. L’estampe figure trois barques progressant sur une mer déchaînée, une grande vague déferlante formant une spirale au centre au-dessus des embarcations et le mont Fuji à l’arrière-plan.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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08 Post-impressionnisme

La Nuit étoilée

Vincent van Gogh 1889

Guggenheim Museum, New York

Van Gogh l'a peinte à l'asile de Saint-Rémy — d'après sa fenêtre, mais le village en contrebas est inventé.

La Nuit étoilée est une peinture à l’huile sur toile du peintre postimpressionniste néerlandais Vincent van Gogh. Peinte en juin 1889, elle représente la vue depuis la fenêtre orientée à l’est de sa chambre à l’asile de Saint-Rémy-de-Provence, juste avant l’aube, à laquelle s’ajoute un village imaginaire.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

auteur : Beehivebaker · licence : CC BY-SA 4.0 · Wikimedia Commons

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09 Sécession viennoise

Le Baiser

Gustav Klimt 1907-1908

Belvedere, Vienna

Klimt a employé de la véritable feuille d’or — et les amants se tiennent au bord même d’une falaise fleurie, à un pas de l’abîme.

« Le Baiser » est une peinture à l’huile sur toile rehaussée de feuilles d’or, d’argent et de platine, réalisée par le peintre symboliste autrichien Gustav Klimt. Elle fut peinte à un moment situé entre 1907 et 1908, à l’apogée de ce que les spécialistes appellent sa « période dorée ».

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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10 Symbolisme

Le Cri

Edvard Munch 1893

National Museum, Oslo

Une version porte ces mots griffonnés, « seul un fou a pu peindre cela » — et l'écriture s'est révélée être celle de Munch lui-même.

Le Cri est une composition artistique réalisée par le peintre norvégien Edvard Munch en 1893. Le titre norvégien de l’œuvre est Skrik (« cri »), et le titre allemand sous lequel elle fut exposée pour la première fois est Der Schrei der Natur.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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11 L'abstraction et l'avant-garde

Composition VIII

Vassily Kandinsky 1923

Kandinsky était synesthète — il « entendait » les couleurs et disait que le jaune sonne comme une trompette.

Kandinsky traduit la musique, les mathématiques et le mouvement en un langage de formes pures où le récit n’est plus nécessaire.

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12 Surréalisme

La Persistance de la mémoire

Salvador Dalí 1931

Museo Reina Sofia, Madrid

L'icône des montres molles est minuscule — à peine 24 × 33 cm, la taille d'une feuille de papier.

La Persistance de la mémoire est un tableau de 1931 de l’artiste Salvador Dalí et l’une des œuvres les plus emblématiques du surréalisme.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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13 Cubisme et modernisme politique

Guernica

Pablo Picasso 1937

Picasso a peint la toile de près de huit mètres en 35 jours — et en a interdit l’entrée en Espagne tant que vivrait Franco.

Picasso peignit « Guernica » en 1937 pour le pavillon espagnol de l’Exposition internationale de Paris, après le bombardement de la ville basque de Guernica. L’immense toile monochrome transforma l’horreur de la guerre civile espagnole en l’une des images antimilitaristes les plus emblématiques du XXe siècle.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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14 Réalisme américain

American Gothique

Grant Wood 1930

Ce sont un père et sa fille, non un couple marié — les modèles étaient la sœur de l'artiste et son dentiste.

American Gothique est une peinture à l’huile sur panneau de fibres de 1930 de l’artiste régionaliste américain Grant Wood, représentant un fermier du Midwest et sa femme ou sa fille debout devant leur maison de style Carpenter Gothique. C’est l’une des peintures américaines les plus célèbres du XXe siècle, fréquemment reprise dans la culture populaire.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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15 Réalisme américain

Nighthawks

Edward Hopper 1942

Gallerie dell'Accademia, Venice

Le café n’a aucune porte visible sur la rue — Hopper l’a voulu ainsi, enfermant ses personnages derrière la vitre.

Hopper peignit Nighthawks en 1942, s’inspirant d’un carrefour nocturne de Manhattan et du sentiment d’isolement urbain propre au temps de guerre. Son restaurant vivement éclairé et ses personnages emmurés dans leur solitude en firent une icône durable de la solitude américaine et de la vie de la ville moderne.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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16 Haute Renaissance

L'Homme de Vitruve

Léonard de Vinci v. 1490

L'Italie a bloqué son prêt au Louvre en 2019 — et il s'agit en réalité de deux dessins superposés, aux marges couvertes de l'écriture en miroir de Léonard.

L’Homme de Vitruve est un dessin de l’artiste et savant de la Renaissance italienne Léonard de Vinci, daté de 1490 environ. Inspiré de l’architecte romain Vitruve, il représente un homme nu dans deux positions debout superposées, inscrit dans un cercle et un carré.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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17 Modernisme et mythologie personnelle

Les Deux Frida

Frida Kahlo 1939

Museum of Modern Art, Mexico City

Deux cœurs à nu reliés par une seule artère — Kahlo l’a peint l’année de son divorce d’avec Rivera.

« Les Deux Fridas » est une peinture à l’huile de l’artiste mexicaine Frida Kahlo. Ce fut la première œuvre de grand format réalisée par Kahlo et elle est considérée comme l’une de ses peintures les plus remarquables. Il s’agit d’un double autoportrait représentant deux versions de Kahlo assises côte à côte.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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18 Modernisme et mythologie personnelle

Autoportrait au collier d'épines

Frida Kahlo 1940

Harry Ransom Center, Austin

Le colibri mort est un porte-bonheur amoureux mexicain — chez Kahlo, il pend sans vie à un collier d'épines.

Autoportrait au collier d’épines et au colibri est un autoportrait de 1940 de la peintre mexicaine Frida Kahlo, où figurent également un chat noir, un singe et deux libellules. Elle le peignit après son divorce d’avec Diego Rivera et la fin de sa liaison avec le photographe Nickolas Muray.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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19 Modernisme et mythologie personnelle

La Colonne brisée

Frida Kahlo 1944

Museo Dolores Olmedo, Mexico City

À la place de sa colonne vertébrale, une colonne antique fissurée — Kahlo la peignit après une opération du dos, sanglée des mois dans un corset d’acier.

La Colonne brisée est une peinture à l’huile sur masonite de l’artiste mexicaine Frida Kahlo, réalisée en 1944 peu après qu’elle eut subi une opération de la colonne vertébrale destinée à corriger les troubles persistants résultant d’un grave accident de la route dont elle avait été victime à l’âge de 18 ans.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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20 Abstraction et l'avant-garde

Quelques cercles

Vassily Kandinsky 1926

Guggenheim Museum, New York

Kandinsky appelait le cercle « une synthèse des plus grandes oppositions » — et le fond sombre transforme ces cercles en astres.

Kandinsky construit une composition cosmique où le cercle devient tout à la fois forme, rythme et événement énergétique.

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21 Abstraction et l'avant-garde

Jaune-rouge-bleu

Vassily Kandinsky 1925

Centre Pompidou, Paris

Une grande toile du Bauhaus (127 × 200 cm) où Kandinsky bâtit l’abstraction presque comme de la musique — à partir de la seule couleur et de la seule forme.

Kandinsky peignit « Jaune-Rouge-Bleu » pendant ses années au Bauhaus, lorsqu’il cherchait à réunir la couleur, la géométrie et la résonance intérieure de la forme en un seul système. La toile de 1925 est souvent lue comme un manifeste d’une abstraction construite presque comme de la musique.

Source de l'introduction : Centre Pompidou

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Artist photo

22 Performance et le corps radical

Rhythm 0

Marina Abramović 1974

Studio Morra, Naples

72 objets sur la table — dont un pistolet chargé ; à la sixième heure, un spectateur l'a pointé sur la tête d'Abramović.

Rhythm 0 est la performance réalisée par Marina Abramović en 1974, au cours de laquelle elle demeura immobile pendant six heures auprès de 72 objets, laissant le public en user sur elle à sa guise. L’œuvre devint une leçon brutale sur le regard du spectateur, la vulnérabilité du corps et la vitesse à laquelle la liberté collective peut virer à la violence.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

Au lieu de la documentation de la performance, le site présente un portrait public de l’artiste provenant de Wikimedia Commons (usage contextuel et pédagogique).

auteur : StagiaireMGIMO · licence : CC BY-SA 4.0 · Wikimedia Commons

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23 Performance et le corps radical

L'Artiste est présente

Marina Abramović 2010

Abramović resta assise 736 heures durant trois mois — puis son ancien compagnon Ulay surgit sans prévenir, s’assit face à elle, et tous deux fondirent en larmes.

En 2010, au MoMA, Marina Abramović passa près de trois mois assise en silence à une table, invitant les visiteurs à croiser son regard un à un. La performance transforma la simple présence en un événement d’une grande intensité émotionnelle et devint l’une des œuvres muséales les plus commentées du XXIe siècle.

Source de l'introduction : MoMA

auteur : Andrew Russeth · licence : CC BY-SA 2.0 · Wikimedia Commons

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Artist photo

24 Performance et le corps radical

Balkan Baroque

Marina Abramović 1997

Venice Biennale, Venice

Abramović a récuré 1 500 os de vache sanglants six heures par jour pendant quatre jours — et a remporté le Lion d'or.

Balkan Baroque est la performance de Marina Abramović réalisée en 1997 en hommage aux victimes des guerres de l’ex-Yougoslavie. Pendant quatre jours, elle s’est assise des heures durant sur un tas d’os de vache ensanglantés, les frottant tout en chantant et en parlant, transformant l’impossibilité de la purification en une image du deuil et de la mémoire collectifs.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

Au lieu de la documentation de la performance, le site présente un portrait public de l’artiste provenant de Wikimedia Commons (usage contextuel et pédagogique).

auteur : StagiaireMGIMO · licence : CC BY-SA 4.0 · Wikimedia Commons

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25 Monde antique

Buste de Néfertiti

Thoutmôsis v. 1350 av. J.-C.

Neues Museum, Berlin

Il manque à Néfertiti son œil gauche, et un scanner a révélé un second visage sous le plâtre — des rides que le sculpteur avait dissimulées.

Le « Buste de Néfertiti » montre comment Thoutmôsis transforme le langage du monde antique en une forme plastique cohérente.

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26 Monde antique

Victoire ailée de Samothrace

Pythocritos v. 175 av. J.-C.

Sans tête ni bras, retrouvée en centaines de morceaux — la déesse se dresse à la proue d’un navire de guerre, le marbre semblant affronter le vent du large.

La Victoire de Samothrace, ou Niké de Samothrace, est un monument votif découvert à l’origine sur l’île de Samothrace, au nord-est de la mer Égée. C’est un chef-d’œuvre de la sculpture grecque de l’époque hellénistique, datant du début du IIe siècle av. J.-C.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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27 Renaissance

Adam et Ève

Albrecht Dürer 1507

St Bavo's Cathedral, Ghent

Les premiers nus grandeur nature de la peinture allemande — avant Dürer, personne au nord des Alpes n'avait osé.

Adam et Ève condense les idées essentielles de la Renaissance en une image peinte mémorable.

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28 Renaissance

Le Retable de Gand

Jan van Eyck 1432

L’œuvre la plus volée de l’histoire — un panneau dérobé en 1934 reste introuvable, et les nazis faillirent la faire sauter dans une mine de sel.

Le Retable de Gand, également appelé L’Adoration de l’Agneau mystique, est un vaste et complexe polyptyque du XVe siècle conservé dans la cathédrale Saint-Bavon de Gand, en Belgique. Commencé vers le milieu des années 1420 et achevé en 1432, il est attribué aux peintres primitifs flamands et frères Hubert et Jan van Eyck.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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29 Renaissance

La Trinité

Masaccio 1420

Santa Maria Novella, Florence

Pendant trois siècles, elle resta murée derrière un autel — sa perspective si convaincante que les spectateurs prenaient le mur pour une véritable niche sculptée.

La « Sainte Trinité » montre comment Masaccio transforme le langage de la Renaissance en une image monumentale cohérente.

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30 Renaissance

Le Retable d'Issenheim

Matthias Grünewald 1512

Unterlinden Museum, Colmar

Peint pour un hôpital soignant l’ergotisme gangreneux — les plaies du Christ reflètent délibérément celles des malades mourants qui priaient devant lui.

Le Retable d’Issenheim est un retable sculpté et peint, respectivement, par les Allemands Nikolaus Hagenauer et Matthias Grünewald entre 1512 et 1516. Il est conservé au musée Unterlinden de Colmar, en Alsace, en France.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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31 Renaissance

La Dame à l'hermine

Léonard de Vinci 1490

Czartoryski Museum, Krakow

Les rayons X révèlent qu'il n'y avait d'abord pas d'hermine — Léonard l'a ajoutée plus tard — et le fond noir dissimule une porte derrière elle.

La Dame à l’hermine est un portrait de l’artiste italien de la Renaissance Léonard de Vinci. Daté de 1489-1491 environ, il est peint à l’huile sur un panneau de noyer. Son modèle est Cecilia Gallerani, maîtresse de Ludovic Sforza, duc de Milan ; Léonard était alors peintre de la cour des Sforza à Milan.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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32 Renaissance

Le Printemps

Sandro Botticelli 1480

Les botanistes y dénombrent quelque 200 espèces végétales fleurissant à la fois — et les spécialistes ne s’accordent toujours pas sur son sens.

Le Printemps s’impose comme l’une des œuvres phares de la Renaissance, où la voix plastique de Sandro Botticelli devient reconnaissable entre toutes.

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33 Renaissance

Les Ambassadeurs

Hans Holbein le Jeune 1533

Sistine Chapel, Vatican City

Cette traînée au bas du tableau est un crâne en anamorphose — il ne se précise que lorsqu'on regarde la toile de côté.

« Les Ambassadeurs » montre comment Hans Holbein le Jeune transforme le langage de la Renaissance en une image picturale cohérente.

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34 Renaissance

La Création d'Adam

Michel-Ange 1511

Bien des médecins voient une coupe du cerveau humain se dessiner autour de Dieu — et les doigts de Dieu et d’Adam ne se touchent en réalité jamais.

La Création d’Adam, également appelée La Création de l’homme, est une fresque de l’artiste italien Michel-Ange qui fait partie de la voûte de la chapelle Sixtine, peinte entre 1508 et 1512. Elle illustre le récit biblique de la création tiré du livre de la Genèse, où Dieu donne la vie à Adam, le premier homme.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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35 Renaissance

Le Jardin des délices

Jérôme Bosch 1490

Un damné porte des notes de musique inscrites sur son postérieur — depuis, des passionnés ont transcrit et joué la « chanson de l'enfer ».

Le Jardin des délices est le titre moderne donné à un triptyque à cinq panneaux du maître des primitifs flamands Jérôme Bosch, peint entre 1490 et 1510, alors que l’artiste avait entre 40 et 60 ans. En raison des convictions religieuses de Bosch, les interprétations de l’œuvre y voient généralement une mise en garde contre les périls de la tentation.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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36 Renaissance

La Moisson

Pieter Brueghel l'Ancien 1565

Kunsthistorisches Museum, Vienna

L’un des premiers tableaux dont le sujet est la saison elle-même, et non un épisode biblique — et un paysan dort sous l’arbre, bouche ouverte, braguette défaite.

Les Moissonneurs s’imposent comme l’une des œuvres phares de la Renaissance, où la voix plastique de Pieter Brueghel l’Ancien devient reconnaissable entre toutes.

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37 Renaissance

Les Chasseurs dans la neige

Pieter Brueghel l'Ancien 1565

L'un des premiers paysages de neige de l'histoire de l'art, peint pendant le Petit Âge glaciaire — Tarkovski et von Trier l'ont tous deux cité au cinéma.

« Les Chasseurs dans la neige » montre comment Pieter Brueghel l’Ancien transforme le langage de la Renaissance en une image picturale cohérente.

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38 Renaissance

Le Jugement dernier

Michel-Ange 1600

Sistine Chapel, Vatican City

L’Église fit ajouter des voiles pudiques par un autre peintre (le « culottier ») — tandis que Michel-Ange plaça un critique en enfer et cacha son propre visage sur une peau écorchée.

Dans Le Jugement dernier, Michel-Ange rend particulièrement lisibles la structure, l’échelle et la logique de la Renaissance.

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39 Renaissance

La Cène

Léonard de Vinci 1490

Santa Maria delle Grazie, Milan

Ce n'est pas une fresque — Léonard a employé une peinture expérimentale sur mur sec, qui a commencé à s'écailler en vingt ans ; des moines ont plus tard percé une porte à hauteur des pieds du Christ.

La Cène condense les idées essentielles de la Renaissance en une image monumentale mémorable.

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40 Renaissance

Le Mariage de la Vierge

Raphaël 1504

Pinacoteca di Brera, Milan

Raphaël avait 21 ans — et signa le temple en lettres géantes, annonçant un nouveau maître qui venait de surpasser son propre professeur.

Le Mariage de la Vierge s’impose comme l’une des œuvres phares de la Renaissance, où la voix plastique de Raphaël devient reconnaissable entre toutes.

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41 Renaissance

L'École d'Athènes

Raphaël 1512

Apostolic Palace, Vatican City

Les philosophes portent les traits de ses contemporains — Platon est Léonard, le sombre Héraclite est Michel-Ange — et Raphaël n'avait que 26 ans.

« L’École d’Athènes » est une fresque de l’artiste de la Renaissance italienne Raphaël. Elle fut peinte entre 1509 et 1511 dans le cadre d’une commande du pape Jules II pour décorer les pièces aujourd’hui appelées Chambres de Raphaël, au palais apostolique de la Cité du Vatican.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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42 Renaissance

La Tempête

Giorgione 1506

Gallerie dell'Accademia, Venice

Personne ne s’accorde sur ce qu’elle représente (plus de 500 interprétations) — et les rayons X révèlent qu’une seconde femme nue se tenait d’abord là où figure l’homme.

Dans La Tempête, Giorgione rend particulièrement lisibles la structure, l’échelle et la logique de la Renaissance.

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43 Renaissance

La Vénus d'Urbin

Titien 1538

Santa Maria della Vittoria, Rome

Mark Twain la disait « le tableau le plus immonde, le plus vil, le plus obscène que possède le monde » — trahie par son regard franc et sans pudeur.

La Vénus d’Urbin est une peinture à l’huile du peintre italien Titien, représentant une jeune femme nue, traditionnellement identifiée à la déesse Vénus, allongée sur une couche dans le cadre somptueux d’un palais de la Renaissance.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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44 Baroque

Apollon et Daphné

Gian Lorenzo Bernini 1622

Galleria Borghese, Rome

Les doigts de Daphné se muent en laurier dans un seul bloc de marbre — feuilles si fines qu’elles tintent quand on les effleure.

Apollon et Daphné s’impose comme l’une des œuvres phares du baroque, où la voix plastique de Gian Lorenzo Bernini devient reconnaissable entre toutes.

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45 Baroque

L'Extase de sainte Thérèse

Gian Lorenzo Bernini 1647

Le Bernin a mis en scène toute la chapelle comme un théâtre — la lumière tombe d'une fenêtre cachée tandis que des spectateurs de marbre observent depuis des loges.

« L’Extase de sainte Thérèse » est un groupe sculpté de retable en marbre blanc, placé dans un édicule surélevé de la chapelle Cornaro, en l’église Santa Maria della Vittoria à Rome. Il fut conçu et sculpté par Gian Lorenzo Bernini, le plus grand sculpteur de son temps, qui imagina aussi le décor de la chapelle en marbre, stuc et peinture.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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46 Baroque

Judith décapitant Holopherne

Artemisia Gentileschi 1613

Gentileschi l’a peint peu après le procès de son violeur — beaucoup voient son agresseur en Holopherne et l’artiste elle-même en Judith.

La décapitation d’Holopherne par Judith est relatée dans le livre deutérocanonique de Judith et a inspiré de nombreuses peintures et sculptures des périodes de la Renaissance et du baroque.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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47 Baroque

Les Fileuses

Diego Vélasquez 1655

Kunsthistorisches Museum, Vienna

Longtemps on n'y vit qu'un simple atelier de tapisserie — jusqu'à ce que les érudits y décèlent le mythe d'Arachné, qui osa défier une déesse.

Les Fileuses est une peinture du peintre espagnol Diego Vélasquez, conservée au musée du Prado de Madrid, en Espagne. Elle est également connue sous le titre La Fable d’Arachné. La plupart des spécialistes la considèrent comme une œuvre tardive de l’artiste, datée de 1657 à 1658, mais certains soutiennent qu’elle a été réalisée vers cette époque.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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48 Baroque

La Leçon d'anatomie du docteur Tulp

Rembrandt 1632

Mauritshuis, The Hague

Rembrandt avait 26 ans — le cadavre est un voleur pendu le matin même, et le bras disséqué est « faux », copié d’un traité plutôt que du corps.

La Leçon d’anatomie du docteur Tulp est une peinture à l’huile sur toile de 1632 de Rembrandt, conservée au musée Mauritshuis de La Haye, aux Pays-Bas. Elle fut à l’origine destinée à être exposée dans la salle de réunion de la guilde des chirurgiens.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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49 Baroque

L'Art de la peinture

Johannes Vermeer 1667

Vermeer a refusé de la vendre alors même qu'il croulait sous les dettes — et Hitler s'en empara plus tard pour un musée qu'il ne construisit jamais.

« L’Art de la peinture », également connu sous les titres « L’Allégorie de la peinture » ou « Le Peintre dans son atelier », est une peinture à l’huile sur toile du XVIIe siècle du peintre néerlandais Johannes Vermeer. Elle appartient à la République d’Autriche et est exposée au Kunsthistorisches Museum de Vienne.

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50 Baroque

La Vocation de saint Matthieu

Le Caravage 1609

San Luigi dei Francesi, Rome

Le faisceau de lumière suit la main du Christ — qui elle-même cite celle d’Adam au plafond de Michel-Ange.

La Vocation de saint Matthieu est une peinture à l’huile du maître baroque italien Caravage, qui représente le moment où Jésus-Christ appelle le collecteur d’impôts Matthieu à le suivre. Elle fut réalisée entre 1599 et 1600 pour la chapelle Contarelli de l’église de la congrégation française, San Luigi dei Francesi à Rome, où elle se trouve toujours.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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51 Baroque

La Conversion de saint Paul

Le Caravage 1600

Santa Maria del Popolo, Rome

Un cheval occupe le centre, et la lumière aveuglante, Paul seul la voit — la première version fut refusée, jugée trop indigne.

La Conversion de saint Paul condense les idées essentielles du baroque en une image peinte mémorable.

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52 Baroque

La Mise au tombeau

Le Caravage 1602

Vatican Museums, Vatican City

La dalle de pierre s’avance vers vous, comme si l’on descendait le Christ dans votre propre tombe — Rubens, Cézanne et Géricault l’ont tous copiée.

La Mise au tombeau s’impose comme l’une des œuvres phares du baroque, où la voix plastique du Caravage devient reconnaissable entre toutes.

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53 Baroque

La Laitière

Johannes Vermeer 1660

Rijksmuseum, Amsterdam

Elle est minuscule (45 × 41 cm) — et ce mince filet de lait n'est que des dizaines de points de lumière, tandis qu'une chaufferette et un carreau à Cupidon dissimulent une discrète allusion érotique.

« La Laitière » montre comment Johannes Vermeer transforme le langage du baroque en une image picturale cohérente.

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54 Baroque

La Ronde de nuit

Rembrandt 1642

Rijksmuseum, Amsterdam

Ce n’est pas du tout une scène de nuit — c’est le vernis qui a foncé — et en 1715 on la rogna pour l’ajuster à une porte, amputant deux personnages sur la gauche.

La compagnie de milice du district II sous le commandement du capitaine Frans Banninck Cocq, également connue sous le titre La compagnie de tir de Frans Banning Cocq et Willem van Ruytenburch, mais communément appelée La Ronde de nuit, est un tableau de 1642 de Rembrandt van Rijn.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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55 Baroque

Vue de Delft

Johannes Vermeer 1661

Mauritshuis, The Hague

Proust le tenait pour le plus beau tableau du monde — et, gravement malade, il s'arracha à son lit pour le voir, avant de s'effondrer.

Vue de Delft est une peinture à l’huile de Johannes Vermeer, réalisée vers 1659-1661. Cette vue de la ville natale de l’artiste néerlandais compte parmi ses œuvres les plus célèbres. C’est l’une des trois représentations de Delft peintes par Vermeer, avec La Ruelle et le tableau perdu Maison à Delft, et son unique paysage urbain.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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56 Rococo

La Balançoire

Jean-Honoré Fragonard 1767

Wallace Collection, London

Un amant caché dans les buissons regarde sous sa jupe tandis que le mari, sans se douter de rien, pousse la balançoire — et sa chaussure envolée suggère l’innocence perdue.

La Balançoire peut désigner : La Balançoire (Fragonard), peinture à l’huile de Jean-Honoré Fragonard, 1767 ; La Balançoire (Renoir), peinture à l’huile de Pierre-Auguste Renoir, 1876 ; La Balançoire (Goya), un carton de tapisserie conçu par Francisco de Goya ; La Balançoire, 1984, ainsi que sa chanson-titre, 1984 ; « La Balançoire » (chanson), une chanson enregistrée par James Bonamy en 1997 ; « La Balançoire », un…

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57 Néoclassicisme

La Mort de Marat

Jacques-Louis David 1793

Royal Museums of Fine Arts of Belgium, Brussels

David connaissait personnellement Marat et fit du meurtre une icône politique en quelques mois — disposant le mourant à la manière d'un Christ mort.

« La Mort de Marat » est un tableau de 1793 de Jacques-Louis David représentant son ami, le chef révolutionnaire français assassiné Jean-Paul Marat.

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58 Néoclassicisme

Le Serment des Horaces

Jacques-Louis David 1784

Une commande royale devenue cri de ralliement républicain — le roi avait pour ainsi dire financé son propre cauchemar de propagande.

Le Serment des Horaces est un grand tableau de l’artiste français Jacques-Louis David, peint en 1784 et 1785 et aujourd’hui exposé au Louvre à Paris. L’œuvre remporta aussitôt un immense succès auprès de la critique et du public, et demeure l’une des peintures les plus célèbres du style néoclassique.

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59 Romantisme

La Famille de Charles IV

Francisco Goya 1800

C'est la reine, non le roi, qui occupe le centre — beaucoup pensent qu'elle régnait vraiment — tandis que Goya se tapit dans l'ombre, à la manière de Velázquez.

Charles IV d’Espagne et sa famille est un portrait de groupe à l’huile sur toile de l’artiste espagnol Francisco de Goya. Il en entreprit l’exécution en 1800, peu après avoir été nommé premier peintre de chambre de la famille royale, et l’acheva à l’été 1801.

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60 Romantisme

La Maja nue

Francisco Goya 1800

L’un des premiers nus occidentaux sans alibi mythologique — il valut à Goya d’être convoqué devant l’Inquisition.

La Maja nue est une peinture à l’huile sur toile réalisée vers 1797-1800 par l’artiste espagnol Francisco de Goya ; elle est conservée au musée du Prado à Madrid depuis 1901.

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61 Romantisme

La Liberté guidant le peuple

Eugène Delacroix 1830

Non pas 1789, mais la révolution de Juillet 1830 — et le nouveau roi n'acheta le tableau que pour le cacher.

« La Liberté guidant le peuple » est un tableau de l’époque romantique du peintre français Eugène Delacroix, commémorant la révolution de Juillet 1830 qui renversa le roi Charles X.

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62 Romantisme

Pluie, Vapeur et Vitesse

J. M. W. Turner 1843

Un minuscule lièvre file juste devant la locomotive — et, selon un récit, Turner se pencha hors d’un train lancé à toute vitesse en pleine tempête pour éprouver lui-même la griserie.

Pluie, Vapeur et Vitesse. Le Grand Chemin de fer de l’Ouest est une peinture à l’huile du peintre britannique du XIXe siècle J. M. W. Turner.

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63 Romantisme

Saturne dévorant un de ses fils

Francisco Goya 1819

Goya l'a peint à même le mur de sa propre maison — un cauchemar intime qu'il ne destinait à aucun regard.

Saturne dévorant un de ses fils est une peinture de l’artiste espagnol Francisco de Goya. L’œuvre est l’une des quatorze Peintures noires que Goya peignit directement sur les murs de sa maison entre 1820 et 1823. Elle fut transposée sur toile après la mort de Goya et se trouve aujourd’hui au musée du Prado de Madrid.

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64 Romantisme

La Maja habillée

Francisco Goya 1800

La légende veut qu’elle glissât sur la Maja nue grâce à un mécanisme pour la dérober aux visiteurs — et, curieusement, l’habillée paraît plus osée que la nue.

La Maja habillée s’impose comme l’une des œuvres phares du romantisme, où la voix plastique de Francisco de Goya devient reconnaissable entre toutes.

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65 Romantisme

Le Dernier Voyage du Téméraire

J. M. W. Turner 1839

Élu tableau préféré des Britanniques — un fier vaisseau de guerre à voile remorqué à la casse par un petit remorqueur à vapeur tout noirci : la fin d'un monde.

« Le Téméraire remorqué à son dernier mouillage pour y être démoli, 1838 » est une peinture à l’huile sur toile de l’artiste anglais Joseph Mallord William Turner, réalisée en 1838 et exposée à la Royal Academy en 1839.

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66 Romantisme

La Charrette de foin

John Constable 1821

Detroit Institute of Arts, Detroit

Ignoré en Angleterre, il éblouit Paris et remporta l’or au Salon de 1824 — où les Français raillaient ses touches blanches, « la neige de Constable ».

La Charrette de foin —intitulée à l’origine Paysage : midi— est un tableau de John Constable, achevé en 1821, qui représente une scène rurale sur la rivière Stour, entre les comtés anglais du Suffolk et de l’Essex.

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67 Romantisme

Le Cauchemar

Henry Fuseli 1781

Un incube s'accroupit sur la poitrine de la dormeuse, tandis qu'une jument aux yeux pâles surgit du rideau — et Freud, dit-on, en gardait une gravure dans son cabinet.

Le Cauchemar est une peinture à l’huile de 1781 de l’artiste suisse Henry Fuseli. Elle montre une femme aux bras rejetés sous elle, plongée dans un profond sommeil tandis qu’elle subit un cauchemar, sous le regard d’un cheval presque dissimulé, un incube démoniaque et simiesque accroupi sur sa poitrine.

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68 Romantisme

Le Radeau de la Méduse

Théodore Géricault 1818

Museum of Fine Arts, Boston

Inspiré d’un naufrage réel où les survivants en vinrent au cannibalisme — Géricault étudia des cadavres à la morgue et conserva des membres coupés dans son atelier par souci d’exactitude.

Le Radeau de la Méduse — intitulé à l’origine Scène de naufrage — est une peinture à l’huile de 1818-1819 du peintre et lithographe romantique français Théodore Géricault (1791-1824). Achevée alors que l’artiste avait 27 ans, l’œuvre est devenue une icône du romantisme français.

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69 Romantisme

Le Négrier

J. M. W. Turner 1840

Inspiré de la véritable atrocité du Zong — des esclaves malades jetés par-dessus bord pour toucher l'assurance —, le critique Ruskin le posséda, puis le vendit, incapable de vivre avec l'horreur.

« Le Négrier », initialement intitulé « Des négriers jetant par-dessus bord les morts et les mourants — un typhon approche », est un tableau de l’artiste britannique J. M. W. Turner, exposé pour la première fois à la Royal Academy of Arts en 1840.

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70 Romantisme

Tres de Mayo

Francisco Goya 1814

Hamburger Kunsthalle, Hamburg

L’homme en blanc écarte les bras comme un Christ en croix — une plaie de stigmate au creux de la main — tandis que le peloton d’exécution n’est qu’un mur de dos sans visage.

El tres de mayo de 1808 en Madrid, aussi connu, en espagnol, sous les titres Los fusilamientos de la montaña del Príncipe Pío ou Los fusilamientos del tres de mayo (Le Trois Mai 1808 à Madrid), est un tableau achevé en 1814 par le peintre espagnol Francisco de Goya, aujourd’hui conservé au musée du Prado à Madrid.

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71 Romantisme

Le Voyageur contemplant une mer de nuages

Caspar David Friedrich 1818

On ne voit jamais son visage — il nous tourne le dos, et vous prenez sa place — pourtant la toile est minuscule, à peine 95 × 75 cm.

Le Voyageur contemplant une mer de nuages est une peinture de l’artiste romantique allemand Caspar David Friedrich, réalisée en 1818.

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72 Réalisme

Un bar aux Folies-Bergère

Édouard Manet 1882

Courtauld Gallery, London

Le reflet du miroir est optiquement impossible — le dos de la serveuse ne peut se trouver là où Manet l’a placé, et le débat dure depuis un siècle.

Un bar aux Folies-Bergère est un tableau d’Édouard Manet, considéré comme sa dernière œuvre majeure. Il fut peint en 1882 et exposé au Salon de Paris la même année. Il représente une scène du cabaret des Folies Bergère à Paris.

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73 Réalisme

Un enterrement à Ornans

Gustave Courbet 1846

Courbet a donné l'échelle réservée aux sacres et aux batailles à un banal enterrement de village — et le Salon y vit une insulte.

« Un enterrement à Ornans » est un tableau de 1849-1850 de Gustave Courbet. Il est largement considéré comme un tournant majeur de l’art français du XIXe siècle. L’œuvre relate un enterrement à Ornans, la petite ville natale de Courbet.

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74 Réalisme

Le Déjeuner sur l'herbe

Édouard Manet 1863

Refusé par le Salon, il devint le scandale du Salon des refusés — et sa pose est empruntée telle quelle à une gravure de Raphaël.

Dans Le Déjeuner sur l’herbe, Édouard Manet rend particulièrement lisibles la structure, l’échelle et la logique du réalisme.

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75 Réalisme

Madame X

John Singer Sargent 1884

Une simple bretelle tombée fit un tel scandale que Sargent la repeignit et fuit Paris pour Londres.

Madame X condense les idées essentielles du réalisme en une image peinte mémorable.

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76 Réalisme

Olympia

Édouard Manet 1863

On l’accrocha près du plafond pour que les indignés ne puissent la piquer de leurs parapluies — elle vous fixe droit dans les yeux, sans alibi mythologique.

Olympia s’impose comme l’une des œuvres phares du réalisme, où la voix plastique d’Édouard Manet devient reconnaissable entre toutes.

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77 Réalisme

L'Angélus

Jean-François Millet 1858

Dalí était convaincu qu'un petit cercueil d'enfant se cachait sous le panier de pommes de terre — et une radiographie du Louvre a bel et bien révélé une forme recouverte de peinture.

« L’Angélus » montre comment Jean-François Millet transforme le langage du réalisme en une image picturale cohérente.

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78 Réalisme

Le Fifre

Édouard Manet 1866

Le Salon refusa Le Fifre en 1866 — l’enfant se détache sur un vide gris et plat « comme une figure de carte à jouer » — et Zola prit la défense de Manet.

Le Fifre, ou Le Jeune Flûtiste, est un tableau du peintre français Édouard Manet, réalisé en 1866. Il est habituellement conservé au musée d’Orsay, à Paris.

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79 Réalisme

Des glaneuses

Jean-François Millet 1857

Philadelphia Museum of Art, Philadelphia

La critique accusa Millet de brandir « le drapeau rouge de la révolution » — pour avoir peint de pauvres glaneuses en figures monumentales et dignes.

Les Glaneuses est une peinture à l’huile de Jean-François Millet achevée en 1857. Elle est conservée au musée d’Orsay, à Paris.

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80 Réalisme

La Clinique Gross

Thomas Eakins 1875

L’exposition de 1876 la jugea trop sanglante et la relégua au pavillon médical — Philadelphie réunit plus tard 68 millions de dollars pour l’empêcher de partir.

La Clinique Gross, ou La Clinique du docteur Gross, est un tableau de 1875 de l’artiste américain Thomas Eakins. Il s’agit d’une huile sur toile mesurant 8 pieds (240 cm) sur 6,5 pieds (200 cm).

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81 Réalisme

Le Marché aux chevaux

Rosa Bonheur 1853

Bonheur portait sur elle une autorisation de police pour porter le pantalon et pouvoir croquer au marché aux chevaux, parmi les hommes.

« Le Marché aux chevaux » est une peinture à l’huile sur toile de l’artiste française Rosa Bonheur, commencée en 1852 et exposée pour la première fois au Salon de Paris de 1853. Bonheur y apporta quelques dernières retouches en 1855. Cette grande œuvre mesure 96,25 pouces × 199.

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82 Réalisme

La Mère de Whistler

James McNeill Whistler 1871

Son vrai titre est « Arrangement en gris et noir » — et sa mère ne posa que parce que, dit la légende, le modèle prévu ne s’était pas présenté.

Arrangement en gris et noir no 1, plus connu sous son nom familier La Mère de Whistler ou Portrait de la mère de l’artiste, est une peinture à l’huile sur toile réalisée par le peintre d’origine américaine James McNeill Whistler en 1871.

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83 Impressionnisme

Bal du moulin de la Galette

Pierre-Auguste Renoir 1876

Renoir hissait chaque jour l'immense toile jusqu'à Montmartre — et la critique prit sa lumière mouchetée pour de la négligence.

Bal du moulin de la Galette est une peinture de 1876 de l’artiste français Pierre-Auguste Renoir.

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84 Impressionnisme

La Gare Saint-Lazare

Claude Monet 1877

Monet, tiré à quatre épingles, s’introduisit dans la gare par son seul bagou et fit retarder les trains et pousser la vapeur — juste pour les volutes de fumée idéales.

La Gare Saint-Lazare est une série de peintures à l’huile de l’artiste français Claude Monet. Les tableaux représentent l’intérieur enfumé de la gare éponyme sous des conditions atmosphériques variées et selon divers points de vue.

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85 Impressionnisme

Les Meules

Claude Monet

Monet a peint les mêmes meules quelque vingt-cinq fois — et le jeune Kandinsky, en voyant l'une d'elles, s'est tourné vers l'abstraction.

« Les Meules » montre comment Claude Monet transforme le langage de l’impressionnisme en une image picturale cohérente.

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86 Impressionnisme

L'Absinthe

Edgar Degas 1875

The Phillips Collection, Washington, D.C.

Les « ivrognes » attablés étaient des amis de Degas qui posaient — et pourtant la critique londonienne fit du tableau un sordide avertissement contre l’absinthe.

L’Absinthe est un tableau d’Edgar Degas, peint entre 1875 et 1876. Son titre original était Dans un café, appellation encore souvent employée aujourd’hui.

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87 Impressionnisme

Le Déjeuner des canotiers

Pierre-Auguste Renoir 1880

La jeune femme au petit chien est Aline, la future épouse de Renoir — et presque chaque visage de la scène est celui d'un ami que l'on peut nommer.

Le Déjeuner des canotiers est une peinture de 1881 de l’impressionniste français Pierre-Auguste Renoir. Exposée à la septième exposition impressionniste de 1882, elle fut désignée comme la meilleure toile de l’exposition par trois critiques.

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88 Impressionnisme

La série des Cathédrales de Rouen

Claude Monet 1892

Une seule façade, une trentaine de toiles — Monet loua une chambre de l’autre côté de la place et en acheva la moitié de mémoire, de retour à Giverny.

La série de la Cathédrale de Rouen s’impose comme l’une des œuvres phares de l’impressionnisme, où la voix plastique de Claude Monet devient reconnaissable entre toutes.

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89 Impressionnisme

La Classe de danse

Edgar Degas 1871

Musee de l'Orangerie, Paris

Degas a peint la besogne des coulisses, non la gloire — bâillements, grattements, épuisement — et le vieil homme est un véritable maître de ballet de l'Opéra.

« La Classe de danse » montre comment Edgar Degas transforme le langage de l’impressionnisme en une image picturale cohérente.

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90 Impressionnisme

Les Nymphéas

Claude Monet 1914

Quelque 250 toiles de son propre bassin de Giverny — Monet les peignit presque aveugle à cause de la cataracte et en repeignit des parties après son opération des yeux.

Dans Les Nymphéas, Claude Monet rend particulièrement lisibles la structure, l’échelle et la logique de l’impressionnisme.

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91 Post-impressionnisme

Un dimanche après-midi à l'île de la Grande Jatte

Georges Seurat 1884

La dame de droite promène un singe en laisse — pour les Parisiens des années 1880, c'était un jeu de mots grivois, non un détail de mode.

Un dimanche après-midi à l’île de la Grande Jatte fut peint de 1884 à 1886 et constitue l’œuvre la plus célèbre de Georges Seurat. Elle est reconnue comme un exemple majeur de la technique pointilliste et comme une œuvre fondatrice du mouvement néo-impressionniste.

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92 Post-impressionnisme

La Chambre à Arles

Van Gogh Museum, Amsterdam

Van Gogh peignit la chambre trois fois, dont deux depuis l’asile — et ses murs lilas ont depuis viré au bleu.

La Chambre à Arles est le titre donné à trois tableaux similaires du peintre postimpressionniste néerlandais du XIXe siècle Vincent van Gogh.

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93 Post-impressionnisme

Terrasse du café le soir

Kroller-Muller Museum, Otterlo

Van Gogh a peint ici un ciel étoilé avant La Nuit étoilée — et l'histoire du chapeau à bougies est une légende de 1922 : il travaillait à la lumière du gaz.

« Terrasse du café le soir » est une peinture à l’huile de 1888 de l’artiste néerlandais Vincent van Gogh. Elle est aussi connue sous le titre « La Terrasse du café de la place du Forum » et, lors de sa première exposition en 1891, elle était intitulée « Café, le soir ».

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94 Post-impressionnisme

Les Iris

Vincent van Gogh 1889

J. Paul Getty Museum, Los Angeles

Van Gogh peignit Les Iris dès sa première semaine à l’asile, y voyant son « paratonnerre » contre la folie — un iris blanc se dresse parmi les bleus.

Dans Les Iris, Vincent van Gogh rend particulièrement lisibles la structure, l’échelle et la logique du postimpressionnisme.

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95 Post-impressionnisme

La Montagne Sainte-Victoire

Paul Cézanne 1902

Philadelphia Museum of Art, Philadelphia

Cézanne a peint la même montagne quelque 80 fois en 30 ans — et ses dernières toiles ont poussé Picasso et Braque vers le cubisme.

La Montagne Sainte-Victoire condense les idées essentielles du postimpressionnisme en une image peinte mémorable.

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96 Post-impressionnisme

Autoportrait à l'oreille bandée

Vincent van Gogh 1889

Courtauld Gallery, London

Van Gogh peignit cet autoportrait quelques semaines à peine après s’être tranché une partie de l’oreille au rasoir, à Arles.

L’Autoportrait à l’oreille bandée est un autoportrait de 1889 de l’artiste postimpressionniste néerlandais Vincent van Gogh. Le tableau appartient à la collection de l’Institut Courtauld et est exposé à la galerie de Somerset House.

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97 Post-impressionnisme

La Nuit étoilée sur le Rhône

Pas la Nuit étoilée tourbillonnante des cartes postales (celle-là est à New York) — ici, un couple minuscule flâne sous les étoiles, une discrète déclaration d'amour.

« La Nuit étoilée », communément appelée « Nuit étoilée sur le Rhône », est l’une des peintures que Vincent van Gogh consacra à Arles la nuit. Elle fut peinte sur la rive du Rhône, à une ou deux minutes de marche seulement de la Maison jaune de la place Lamartine, que van Gogh louait à l’époque.

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98 Post-impressionnisme

Les Tournesols

Van Gogh peignit les tournesols pour accueillir Gauguin — et leurs jaunes de chrome brunissent peu à peu, si bien que les musées gardent désormais la lumière tamisée.

Dans Les Tournesols, Vincent van Gogh rend particulièrement lisibles la structure, l’échelle et la logique du postimpressionnisme.

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99 Post-impressionnisme

Les Joueurs de cartes

Paul Cézanne 1893

Une version fut vendue au Qatar pour quelque 250 millions de dollars — un temps, le tableau le plus cher de l'histoire.

Les Joueurs de cartes est une série de peintures à l’huile de l’artiste postimpressionniste français Paul Cézanne. Réalisée durant la dernière période de Cézanne, au début des années 1890, la série compte cinq tableaux. Les versions varient par leur taille, le nombre de joueurs et le cadre dans lequel se déroule la partie.

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100 Post-impressionnisme

Le Café de nuit

Yale University Art Gallery, New Haven

Van Gogh le peignit en trois nuits d’affilée — résolu à montrer « un lieu où l’on peut se ruiner, devenir fou ou commettre un crime ».

Le Café de nuit est une peinture à l’huile réalisée par l’artiste néerlandais Vincent van Gogh en septembre 1888 à Arles. Son titre est inscrit en bas à droite, sous la signature. Le tableau appartient à l’université Yale et est actuellement conservé à la Yale University Art Gallery de New Haven, dans le Connecticut.

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101 Post-impressionnisme

La Vision après le sermon

Paul Gauguin 1888

National Galleries of Scotland, Edinburgh

Gauguin a peint le sol d'un rouge vif pour traduire la vision des paysannes — et le curé du village refusa en cadeau ce tableau « étrange ».

« La Vision après le sermon (La Lutte de Jacob avec l’ange) » est une peinture à l’huile de l’artiste français Paul Gauguin, achevée en 1888. Elle se trouve aujourd’hui à la Galerie nationale d’Écosse, à Édimbourg. Elle représente une scène de la Bible dans laquelle Jacob lutte avec un ange.

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102 Post-impressionnisme

Champ de blé aux corbeaux

Vincent van Gogh 1890

Van Gogh Museum, Amsterdam

Longtemps mythifié comme son ultime tableau — trois chemins ne mènent nulle part, et il écrivit chercher à exprimer « la tristesse et l’extrême solitude ».

Champ de blé aux corbeaux est un tableau de juillet 1890 de Vincent van Gogh. Plusieurs critiques le citent comme l’une de ses œuvres les plus abouties.

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103 Post-impressionnisme

D'où venons-nous ? Que sommes-nous ? Où allons-nous ?

Paul Gauguin 1897

Museum of Fine Arts, Boston

Le « testament » de Gauguin, peint dans un élan fiévreux à Tahiti — après quoi, dit-il, il tenta de se donner la mort à l'arsenic ; à lire de droite à gauche.

D’où venons-nous ? Que sommes-nous ? Où allons-nous ? est une peinture de 1897-1898 de l’artiste français Paul Gauguin. Réalisée à Tahiti, elle est conservée au musée des Beaux-Arts de Boston, dans le Massachusetts. Tenue par Gauguin pour un chef-d’œuvre, la toile est considérée comme « une œuvre philosophique comparable aux thèmes des Évangiles ».

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104 Symbolisme

Le Talisman, l'Aven au Bois d'Amour

Paul Sérusier 1888

Un minuscule panneau de 27 × 21 cm — en réalité un couvercle de boîte à cigares — peint sur le motif selon les instructions de Gauguin lui-même.

Le Talisman, l’Aven au Bois d’Amour s’impose comme l’une des œuvres phares du symbolisme, où la voix plastique de Paul Sérusier devient reconnaissable entre toutes.

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105 Symbolisme

Portrait d'Adele Bloch-Bauer I

Gustav Klimt 1907

Neue Galerie, New York

Les nazis s'en emparèrent et le rebaptisèrent « La Dame en or » pour masquer le nom juif du modèle — il fallut un procès retentissant pour le récupérer.

Le « Portrait d’Adele Bloch-Bauer I » montre comment Gustav Klimt transforme le langage du symbolisme en une image peinte cohérente.

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106 Symbolisme

Le Rêve

Henri Rousseau 1910

La dernière grande toile de Rousseau — qui n’avait jamais vu de jungle et l’étudiait, à défaut, au Jardin des plantes de Paris.

Dans Le Rêve, Henri Rousseau rend particulièrement lisibles la structure, l’échelle et la logique du symbolisme.

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107 Symbolisme

La Dame de Shalott

John William Waterhouse 1888

Tate Britain, London

La demoiselle maudite a regardé Lancelot en face — et dérive à présent vers Camelot pour y mourir ; des trois bougies de sa barque, deux sont déjà éteintes.

La Dame de Shalott condense les idées essentielles du symbolisme en une image peinte mémorable.

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108 Symbolisme

La Bohémienne endormie

Henri Rousseau 1897

Hermitage Museum, Saint Petersburg

Un lion flaire la dormeuse sans l’attaquer — et l’autodidacte employé des douanes, moqué pour sa naïveté, fut plus tard salué par les surréalistes comme leur précurseur.

La Bohémienne endormie est une peinture à l’huile sur toile de 1897 de l’artiste naïf français Henri Rousseau (1844-1910). C’est une représentation fantastique d’un lion songeant devant une femme endormie par une nuit de clair de lune. Elle est conservée au Museum of Modern Art de New York, auquel elle fut offerte par Olga Guggenheim en 1939.

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109 Modernisme

La Danse

Henri Matisse 1910

L'immense Danse tient sur trois couleurs seulement — et son mécène Chtchoukine la refusa par télégramme, avant de se raviser dans le train du retour.

« La Danse » montre comment Henri Matisse transforme le langage du modernisme en une image peinte cohérente.

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110 Modernisme

L'Atelier rouge

Henri Matisse 1911

National Gallery of Art, Washington, D.C.

L’atelier ne fut jamais rouge — un bleu-vert se cache sous le cadmium — et la toile passa près de dix ans en décor dans une boîte de nuit londonienne.

Dans L’Atelier rouge, Henri Matisse rend particulièrement lisibles la structure, l’échelle et la logique du modernisme.

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111 Modernisme

La Fenêtre ouverte

Henri Matisse 1905

Exposée en 1905, quand un critique horrifié surnomma les peintres « fauves » — le fauvisme était né, et ici l'eau peut être rose.

La Fenêtre ouverte condense les idées essentielles du modernisme en une image peinte mémorable.

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112 Modernisme

La Femme au chapeau

Henri Matisse 1905

San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco

C’est précisément le tableau qui valut l’insulte de « fauves » — et, interrogée sur la vraie couleur de sa robe, la femme de Matisse répondit simplement : « noir ».

La Femme au chapeau s’impose comme l’une des œuvres phares du modernisme, où la voix plastique d’Henri Matisse devient reconnaissable entre toutes.

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113 Avant-garde

Carré noir (1915)

Kazimir Malevitch 1915

Tretyakov Gallery, Moscow

Malevitch l'a accroché dans le coin aux icônes, à la place d'un saint — et les rayons X ont révélé deux tableaux cachés sous le noir.

« Carré noir » (1915) montre comment Kazimir Malevitch transforme le langage de l’avant-garde en une image peinte cohérente.

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114 Avant-garde

Broadway Boogie Woogie

Piet Mondrian 1942

Stedelijk Museum, Amsterdam

Dans sa dernière œuvre achevée, Mondrian abandonna les lignes noires qu’il avait peintes toute sa vie pour les recomposer en minuscules lumières colorées.

Broadway Boogie Woogie est une peinture à l’huile sur toile de Piet Mondrian, achevée en 1943, après son installation à New York en 1940.

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115 Avant-garde

Composition II en rouge, bleu et jaune

Piet Mondrian 1930

Kunsthaus Zurich, Zurich

Rien que trois couleurs primaires sur un carré de 45 cm — et pourtant il s'est retrouvé sur les robes d'Yves Saint Laurent.

Composition II en rouge, bleu et jaune condense les idées essentielles de l’avant-garde en une image peinte mémorable.

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116 Avant-garde

Composition suprématiste

Kazimir Malevitch 1916

Elle s’est vendue environ 85 millions de dollars — un record pour l’art russe — et Malévitch appelait son suprématisme le « degré zéro de la forme ».

Composition suprématiste (rectangle bleu sur la poutre rouge) est un tableau de 1916 de Kazimir Malevitch, peintre russe de l’abstraction géométrique.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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117 Avant-garde

Blanc sur blanc

Kazimir Malevitch 1918

Philadelphia Museum of Art, Philadelphia

Un carré blanc sur blanc — la peinture poussée presque à sa limite absolue, des décennies avant le minimalisme.

« Composition suprématiste : blanc sur blanc » montre comment Kazimir Malevitch transforme le langage de l’avant-garde en une image peinte cohérente.

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118 Sculpture et forme

L'Oiseau dans l'espace

Constantin Brâncuși 1923

La douane américaine la taxa comme un ustensile de cuisine — jusqu’à ce qu’un jugement de 1928 reconnaisse la sculpture abstraite comme un art.

L’Oiseau dans l’espace est une série de sculptures du sculpteur roumain Constantin Brâncuși. L’œuvre originale, créée en 1923, était en marbre. Cette série est également connue pour rassembler sept figures en marbre et neuf tirages en bronze.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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119 Sculpture et forme

David

Michel-Ange 1500

Galleria dell'Accademia, Florence

Michel-Ange a taillé le David dans un bloc que deux sculpteurs avaient abandonné comme perdu — agrandissant la tête et la main pour la vue d'en bas.

Le David condense les idées essentielles de la sculpture et de la forme en une forme plastique mémorable.

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120 Sculpture et forme

La Petite Danseuse de quatorze ans

Edgar Degas 1881

National Gallery of Art, Washington, D.C.

Degas habilla la danseuse de bronze d’un vrai tutu et d’un vrai ruban — et l’original en cire choqua le public, jugé « laid » et vulgaire.

La Petite Danseuse de quatorze ans est une sculpture commencée vers 1880 par Edgar Degas, représentant une jeune élève de l’école de danse de l’Opéra de Paris, une Belge nommée Marie van Goethem.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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121 Sculpture et forme

Moïse

Michel-Ange 1510

San Pietro in Vincoli, Rome

Les cornes naissent d'une mauvaise traduction biblique de « rayonnant » — et la légende veut que Michel-Ange ait frappé le genou en criant : « Maintenant, parle ! ».

Le « Moïse » montre comment Michel-Ange transforme le langage de la sculpture et de la forme en une forme plastique cohérente.

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122 Sculpture et forme

La Pietà

Michel-Ange 1499

St. Peter's Basilica, Vatican City

La seule œuvre signée de Michel-Ange — il grava son nom sur la bandoulière de Marie après avoir entendu attribuer la Pietà à un autre sculpteur.

La Pietà est une sculpture en marbre de Carrare représentant Jésus et Marie au mont Golgotha, figurant la « sixième douleur » de la Vierge Marie, œuvre de Michel-Ange Buonarroti, conservée dans la basilique Saint-Pierre de la Cité du Vatican, pour laquelle elle fut réalisée. C’est une œuvre majeure de la sculpture de la Renaissance italienne, souvent tenue pour le point de départ de la Haute Renaissance.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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123 Sculpture et forme

Les Bourgeois de Calais

Auguste Rodin 1888

Musee Rodin, Paris

Rodin a refusé tout piédestal pour que les six condamnés se tiennent à hauteur de regard — les commanditaires voulaient des héros, ils eurent le désespoir humain.

Les Bourgeois de Calais condense les idées essentielles de la sculpture et de la forme en une forme plastique mémorable.

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124 Sculpture et forme

Le Baiser

Auguste Rodin 1880

Musee Rodin, Paris

Le couple naquit sous les traits de Paolo et Francesca parmi les damnés de la Porte de l’Enfer — jusqu’à ce que Rodin les en retire, trop heureux pour l’enfer.

Le Baiser s’impose comme l’une des œuvres phares de la sculpture et de la forme, où la voix plastique d’Auguste Rodin devient reconnaissable entre toutes.

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125 Sculpture et forme

Le Baiser

Constantin Brâncuși 1909

National Museum of Art of Romania, Bucharest

Brancusi a répondu au Baiser de Rodin par deux blocs de pierre presque cubiques — et une version se dresse encore comme pierre tombale au cimetière du Montparnasse.

« Le Baiser » montre comment Constantin Brâncuși transforme le langage de la sculpture et de la forme en une forme plastique cohérente.

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126 Sculpture et forme

Le Penseur

Auguste Rodin 1882

Musee Rodin, Paris

Le Penseur naquit d’un Dante songeur au sommet de La Porte de l’Enfer — et un tirage de Cleveland, victime d’un attentat en 1970, est encore exposé avec son socle déchiqueté.

Le Penseur, d’Auguste Rodin, est une sculpture en bronze représentant une figure masculine nue de taille héroïque, assise sur un grand rocher, penchée en avant, le coude droit posé sur la cuisse gauche et le dos de la main droite soutenant le menton, dans une posture évoquant la réflexion et la contemplation profondes.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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127 Sculpture et forme

Formes uniques de la continuité dans l'espace

Umberto Boccioni 1913

Yamanashi Prefectural Museum, Yamanashi

Boccioni ne l'a jamais vue en bronze — il modela la figure en plâtre en 1913 et mourut en 1916, avant qu'un seul exemplaire n'en fût fondu.

Formes uniques de continuité dans l’espace est une sculpture futuriste en bronze de 1913 d’Umberto Boccioni. On y voit une expression du mouvement et de la fluidité. La sculpture figure au revers de la pièce italienne de 20 centimes d’euro.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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128 Estampes et arts graphiques

Vent frais, matin clair

Katsushika Hokusai 1830

Le « Fuji rouge » n’est pas un coucher de soleil — les pentes rougeoient vraiment quelques rares matins de fin d’été, et Hokusai l’a saisi.

Vent frais par matin clair, également connue sous le nom de Fuji rouge, est une estampe sur bois de l’artiste japonais Hokusai (1760-1849), qui fait partie de sa série Trente-six Vues du mont Fuji et date des environs de 1830-1832. L’œuvre a été décrite comme « l’une des plus simples et, en même temps, l’une des plus remarquables de toutes les estampes japonaises ».

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

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129 Pop art

Marilyn Diptych

Andy Warhol 1962

Warhol a sérigraphié une seule photo publicitaire de Monroe — la moitié droite s’éteint en noir et blanc, la vie se dissolvant dans la mort.

Le « Diptyque Marilyn » d’Andy Warhol transforme le visage d’une star de cinéma en un produit reproduit à l’infini : une icône du pop art sur la gloire, la mort et la culture de masse.

Source : Wikipedia

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130 Surréalisme

Le Fils de l'homme

René Magritte 1964

Cathedral of Our Lady, Antwerp

Un autoportrait dont on ne voit jamais le visage — caché derrière une pomme verte en suspension.

Le Fils de l’homme, de René Magritte : un homme au chapeau melon dont le visage est caché par une pomme verte en suspension ; un autoportrait sur la manière dont le visible dissimule toujours autre chose.

Source : Wikipedia

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131 Baroque

La Descente de croix

Pierre Paul Rubens 1612-1614

Le corps du Christ glisse en une diagonale nette sur un linceul blanc — unique axe qui tient ensemble toute la scène foisonnante.

La Descente de croix de Rubens : le panneau central d’un retable où le corps du Christ glisse le long d’un linceul blanc suivant une unique diagonale ; le sommet du baroque flamand.

Source : Wikipedia

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132 Maniérisme

Vue de Tolède

Le Greco v. 1599-1600

L'un des deux seuls paysages jamais peints par Le Greco — son ciel d'orage électrique évoque l'expressionnisme trois cents ans trop tôt.

La Vue de Tolède du Greco : l’un des premiers grands paysages de la peinture occidentale, une ville sous un ciel orageux et électrisé, peinte comme une vision plutôt que comme une carte.

Source : Wikipedia

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133 Pop art

Whaam!

Roy Lichtenstein 1963

Lichtenstein a agrandi une case d’une bande dessinée de guerre DC de 1962 jusqu’à deux mètres de large — trames de points Ben-Day comprises, le tout à la main.

« Whaam! » de Roy Lichtenstein : une explosion tirée d’une bande dessinée de guerre agrandie sur deux immenses toiles, un art savant qui parle le langage de l’impression de masse.

Source : Wikipedia

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134 Expressionnisme abstrait

Rythme d'automne (Numéro 30)

Jackson Pollock 1950

Fresque de rue / versions privées

Pollock n'a jamais touché la toile au pinceau — il versait et faisait goutter la peinture, où se sont figés des mégots de cigarette.

Rythme d’automne, de Jackson Pollock : une toile qu’il éclaboussa et versa de tout son corps ; l’énergie pure du mouvement, sans aucune image.

Source : Wikipedia

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135 Art urbain

La Petite Fille au ballon

Banksy 2002

En 2018, l’œuvre s’est déchiquetée dans son cadre juste après son adjudication chez Sotheby’s — avant d’être revendue 18,5 millions de livres, bien plus cher.

La Petite Fille au ballon de Banksy : une silhouette tendant la main vers un ballon rouge en forme de cœur qui lui échappe ; l’image la plus célèbre du street art, qui s’est un jour autodétruite en direct lors d’une vente aux enchères.

Source : Wikipedia

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136 Pop art

A Bigger Splash

David Hockney 1967

Hockney a passé près de deux semaines et de minuscules pinceaux sur un jaillissement d'eau qui dure une seconde — et le plongeur a déjà disparu.

A Bigger Splash de David Hockney : une piscine californienne, une lumière plate et un unique instant de mouvement, l’éclaboussure d’un plongeon que l’on ne voit jamais.

Source : Wikipedia

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137 Néoclassicisme

La Grande Odalisque

Jean-Auguste-Dominique Ingres 1814

Lost; replicas in museums worldwide

Les anatomistes lui comptent plusieurs vertèbres de trop — Ingres lui a allongé le dos pour l’amour de la ligne.

« La Grande Odalisque » d’Ingres : une concubine de harem au dos incroyablement long, une beauté pour laquelle l’artiste a délibérément déformé l’anatomie.

Source : Wikipedia

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138 Post-impressionnisme

Au Moulin Rouge

Henri de Toulouse-Lautrec 1892-1895

Art Institute of Chicago

Le visage de la femme luit d'un vert-jaune vénéneux — de l'expressionnisme des années avant l'expressionnisme.

Au Moulin Rouge, de Toulouse-Lautrec : la vie nocturne parisienne vue de l’intérieur ; un angle abrupt, la lumière du gaz et un visage éclairé de vert dans un coin.

Source : Wikipedia

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139 Dada

Fontaine

Marcel Duchamp 1917

Un urinoir signé « R. Mutt » fut refusé même par un salon sans jury — puis élu l’œuvre la plus influente du XXe siècle.

Fontaine de Marcel Duchamp : un banal urinoir industriel signé « R. Mutt » ; le geste qui a proclamé que c’est l’idée, et non la main, qui fait l’art.

Source : Wikipedia

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140 Cubo-futurisme

Nu descendant un escalier n° 2

Marcel Duchamp 1912

Philadelphia Museum of Art

Un critique de 1913 la qualifia d'« explosion dans une usine de bardeaux » — et les propres alliés cubistes de Duchamp lui demandèrent de la retirer.

Le Nu descendant un escalier de Duchamp décompose le mouvement en une multitude de phases figées : une peinture qui cherche à montrer le temps lui-même.

Source : Wikipedia

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141 Expressionnisme abstrait

Orange, rouge, jaune

Mark Rothko 1961

Série « Cent vues célèbres d'Edo »

Rothko voulait qu’on se tienne à 45 cm pour que la couleur vous « embrasse » — et en 2012 elle s’est vendue un record de 86,9 millions de dollars.

« Orange, rouge, jaune » de Mark Rothko : trois rectangles flottants de couleur chaude, une peinture conçue pour une expérience paisible, presque religieuse.

Source : Wikipedia

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142 Ukiyo-e

Averse sur le pont Shin-Ōhashi

Utagawa Hiroshige 1857

Van Gogh a réalisé une copie à l'huile de cette estampe même en 1887 — et sa pluie est imprimée en très fines lignes gravées.

Averse soudaine sur le pont Shin-Ōhashi, de Hiroshige : une pluie battante rendue par de fines lignes obliques au-dessus d’une rivière ; une estampe que Van Gogh lui-même recopia.

Source : Wikipedia

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143 Modernisme américain

Datura / Fleur blanche no 1

Georgia O'Keeffe 1932

Crystal Bridges Museum, Arkansas

O’Keeffe a agrandi la fleur pour que même un New-Yorkais pressé s’arrête — et en 2014 elle a établi un record de 44 millions de dollars pour une artiste femme.

Jimson Weed de Georgia O’Keeffe : une gigantesque fleur blanche emplissant toute la toile ; une plante ordinaire agrandie jusqu’à devenir un monde.

Source : Wikipedia

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144 Néo-expressionnisme

Sans titre (Crâne)

Jean-Michel Basquiat 1981

The Broad, Los Angeles

Basquiat a débuté en poète de rue signant « SAMO » — l'une de ses œuvres s'est vendue plus tard 110,5 millions de dollars ; il est mort à 27 ans.

Sans titre (Crâne) de Jean-Michel Basquiat : une tête entre le graffiti et l’anatomie, rage, énergie de la rue et grand art réunis en une seule image.

Source : Wikipedia

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145 Impressionnisme

Le Berceau

Berthe Morisot 1872

Musée d'Orsay, Paris

Le modèle est sa sœur Edma, qui renonça à la peinture pour sa famille — et Morisot fut l’une des trois seules femmes du noyau impressionniste.

« Le Berceau » de Berthe Morisot : la sœur de l’artiste contemple pensivement un bébé endormi à travers un voile transparent, le premier chef-d’œuvre impressionniste sur la maternité.

Source : Wikipedia

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146 Néo-pop

Balloon Dog

Jeff Koons 1994-2000

Collections privées et musées

On dirait un ballon gonflable, mais c'est une tonne d'acier inoxydable — une illusion vendue 58 millions de dollars.

Balloon Dog, de Jeff Koons : une sculpture colossale en acier qui feint à la perfection d’être un jouet gonflable ; éclat, enfance et marché de l’art dans un même miroir.

Source : Wikipedia

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147 Art contemporain

L'Impossibilité physique de la mort…

Damien Hirst 1991

Un vrai requin-tigre de quatre mètres dans le formol — et, lorsqu’il a pourri, son remplacement a lancé le débat : était-ce encore la même œuvre ?

L’œuvre de Damien Hirst : un véritable requin-tigre dans le formol ; une confrontation de quatre mètres avec la mort placée dans une vitrine de musée.

Source : Wikipedia

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148 Impressionnisme

La Toilette de l'enfant

Mary Cassatt 1893

Art Institute of Chicago

Cassatt a emprunté le point de vue « japonais » en plongée aux estampes ukiyo-e — seule Américaine au cœur du groupe impressionniste.

La Toilette de l’enfant de Mary Cassatt : une vue plongeante et intime d’une femme lavant les pieds d’une fillette, une tendre scène de maternité vue par les yeux d’une artiste.

Source : Wikipedia

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149 Renaissance nordique

Autoportrait à vingt-huit ans

Albrecht Dürer 1500

Alte Pinakothek, Munich

Dürer s’est peint strictement de face et symétrique — une pose réservée presque exclusivement au Christ.

L’autoportrait de Dürer de 1500 : l’artiste de face, dans une pose réservée aux images du Christ, une audacieuse affirmation sur la dignité du créateur.

Source : Wikipedia

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150 Peinture chinoise

Le Long de la rivière au festival de Qingming

Zhang Zeduan début du XIIe siècle

Palace Museum, Beijing

Un rouleau de plus de 800 personnages qu'on déroule comme un film — les Chinois l'appellent leur Joconde.

Le jour de Qingming au bord de la rivière : un rouleau chinois du XIIe siècle de cinq mètres ; des centaines de personnages, des barques et des ponts d’une ville vivante, déroulés comme un film avant le cinéma.

Source : Wikipedia

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151 Romantisme

Newton

William Blake 1795-1805

Pour Blake, Newton était le méchant — la raison froide courbée au fond de la mer, aveugle aux étoiles au-dessus d’elle.

Newton de William Blake : un savant nu penché sur un compas au fond de la mer ; une critique éclatante de la raison froide qui a tourné le dos à l’imagination.

Source : Wikipedia

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152 Baroque

Méduse

Le Caravage 1597

Caravage a peint Méduse sur un véritable bouclier de tournoi bombé — et beaucoup reconnaissent dans son visage celui du peintre lui-même.

La Méduse du Caravage, peinte sur un bouclier de tournoi circulaire : la tête de la gorgone hurlant à l’instant de sa propre mort, des serpents en guise de chevelure.

Source : Wikipedia

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153 École de Paris

Nu couché

Amedeo Modigliani 1917

La police ferma la seule exposition du vivant de Modigliani à cause des nus en vitrine — et en 2015 l’un d’eux s’est vendu 170 millions de dollars.

« Nu couché » de Modigliani : un corps allongé aux tons chauds qui emplit toute la toile, une sensualité qui valut à l’artiste la fermeture par la police de sa seule exposition personnelle.

Source : Wikipedia

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154 Modernisme

Moi et le village

Marc Chagall 1911

C'est un souvenir de sa Vitebsk natale — et le titre ne vient pas de Chagall, mais de son ami le poète Blaise Cendrars.

Moi et le village, de Marc Chagall : un rêve de sa Vitebsk natale ; un visage vert, un mouton, des maisons à l’envers et une ligne qui relie l’homme et l’animal, les yeux dans les yeux.

Source : Wikipedia

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155 Art nouveau

Judith et la tête d'Holopherne

Gustav Klimt 1901

Belvedere, Vienna

Le public confondait si souvent Judith avec Salomé que Klimt fit graver son nom à même le cadre.

Judith de Klimt : l’héroïne biblique tenant la tête d’Holopherne, peinte en femme fatale parée d’or ; éros et mort dans l’Art nouveau viennois.

Source : Wikipedia

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156 Haute Renaissance

Bacchus et Ariane

Titien 1520-1523

Collections privées et muséales

Ce ciel bleu est un outremer broyé à partir de lapis-lazuli — un pigment qui coûtait plus cher que l'or.

Bacchus et Ariane du Titien : le dieu du vin s’élançant de son char vers Ariane abandonnée, dans un tourbillon de mouvement et sous un ciel d’outremer rayonnant.

Source : Wikipedia

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157 Baroque

La Fiancée juive

Rembrandt v. 1665-1669

Rijksmuseum, Amsterdam

Van Gogh disait qu’il donnerait dix ans de sa vie rien que pour rester deux semaines assis devant ce tableau.

« La Fiancée juive » de Rembrandt : un homme et une femme en or et en rouge dont les mains reposent dans un geste de tendresse, l’un des tableaux les plus chaleureux sur l’amour.

Source : Wikipedia

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158 Symbolisme

Madone

Edvard Munch 1894-1895

Munch Museum, Oslo

Une auréole rouge au lieu de l'or — et sur le cadre de la lithographie, Munch a dessiné des spermatozoïdes et un minuscule embryon.

Madone, d’Edvard Munch : une femme entre l’extase et la mort, ceinte d’une auréole rouge au lieu d’une auréole sacrée ; une image de l’amour, de la naissance et de l’angoisse à la fois.

Source : Wikipedia

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159 Expressionnisme

La Mort et la Jeune Fille

Egon Schiele 1915

Belvedere, Vienna

L’homme du tableau, c’est Schiele lui-même — et il a peint les draps froissés comme la terre nue d’une tombe.

La Mort et la Jeune Fille d’Egon Schiele : une étreinte désespérée sur des draps froissés ; un autoportrait de l’artiste prenant congé de son amante, aux confins de la vie et de la mort.

Source : Wikipedia

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160 Ukiyo-e

Trois beautés de notre temps

Kitagawa Utamaro v. 1793

Les trois femmes sont de véritables célébrités d'Edo — qu'on ne distingue qu'aux armoiries de leurs kimonos, tant Utamaro leur a peint des visages presque identiques.

Les Trois Beautés de notre temps d’Utamaro : trois femmes célèbres d’Edo, aux visages presque identiques, une estampe où la beauté idéale compte plus que la ressemblance.

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161 Préraphaélite

Ophélie

John Everett Millais 1851-1852

Museo de Arte de Ponce, Puerto Rico

Le modèle resta si longtemps dans un bain devenu froid qu’elle en tomba malade — et son père envoya à Millais la note du médecin.

« Ophélie » de Millais : l’héroïne de Shakespeare chante dans l’eau quelques instants avant de se noyer, parmi des fleurs d’une exactitude botanique, le sommet du préraphaélisme.

Source : Wikipedia

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162 Classicisme victorien

Flaming June

Frederic Leighton 1895

Dans les années 1960, elle ne trouvait pas preneur, même à 50 livres — et la branche au-dessus est un laurier-rose vénéneux, allusion au sommeil et à la mort.

Flaming June, de Frederic Leighton : une femme endormie dans une robe orange translucide, lovée en un cercle presque parfait ; un hymne à la couleur et au repos.

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163 Impressionnisme

Rue de Paris, temps de pluie

Gustave Caillebotte 1877

Art Institute of Chicago

Un réverbère central coupe le tableau exactement en deux — un procédé emprunté directement à la photographie.

Rue de Paris, temps de pluie de Gustave Caillebotte : le Paris élégant sous les parapluies sur les pavés mouillés ; un impressionnisme à la composition rigoureuse, presque photographique.

Source : Wikipedia

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164 Néoclassicisme

Bonaparte franchissant le Grand-Saint-Bernard

Jacques-Louis David 1801-1805

Château de Malmaison et autres versions

En réalité, Napoléon a franchi les Alpes à dos de mule et par beau temps — non sur l'étalon cabré peint par David.

Bonaparte franchissant le Grand-Saint-Bernard de Jacques-Louis David : un cheval cabré, une cape gonflée par le vent et une main tendue, un mythe héroïque exemplaire, non un reportage.

Source : Wikipedia

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165 Pop art

Campbell's Soup Cans

Andy Warhol 1962

Los Angeles County Museum of Art (LACMA)

32 toiles pour les 32 variétés de soupe vendues en 1962 — une galerie rivale empila par dérision de vraies boîtes juste à côté.

« Les Boîtes de soupe Campbell » d’Andy Warhol : 32 toiles presque identiques représentant des boîtes de soupe, un manifeste du pop art qui a mis sur le même plan le supermarché et le musée.

Source : Wikipedia

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166 Surréalisme

La Trahison des images

René Magritte 1929

« Ceci n'est pas une pipe » — et c'est vrai : ce n'en est que l'image, on ne saurait la bourrer de tabac.

La Trahison des images, de René Magritte : une pipe peinte de façon réaliste, sous la légende « Ceci n’est pas une pipe » ; le paradoxe visuel le plus célèbre de l’art.

Source : Wikipedia

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167 Baroque

La Vénus au miroir

Diego Velázquez 1647-1651

Collections privées et muséales

En 1914, une suffragette la lacéra d’un hachoir — « la Vénus martyre » — et c’est le seul nu de Vélasquez qui nous soit parvenu.

La Vénus au miroir de Vélasquez : une déesse allongée contemplant son visage dans un miroir que tient Cupidon ; l’unique nu conservé du maître.

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168 Peinture indienne

Shakuntalâ

Raja Ravi Varma 1870

Ravi Varma fut le premier à peindre les dieux de l'Inde à l'huile et à les imprimer en masse — ses images sont entrées dans les foyers de tout le pays et façonnent encore le visage des dieux au cinéma.

Shakuntalâ de Raja Ravi Varma : l’héroïne de l’épopée indienne feignant de retirer une épine alors qu’elle cherche en réalité son bien-aimé, la rencontre du mythe indien et de la peinture européenne.

Source : Wikipedia

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169 Proto-Renaissance

La Lamentation du Christ

Giotto v. 1305

Scrovegni Chapel, Padua

Giotto fut le premier depuis l’Antiquité à donner aux figures un vrai poids et un vrai espace — et ses anges hurlent de douleur.

« La Lamentation sur le Christ mort » de Giotto dans la chapelle des Scrovegni : pour la première fois la douleur est montrée comme un sentiment humain vivant, le commencement de la peinture européenne moderne.

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170 Première Renaissance

La Déploration sur le Christ mort

Andrea Mantegna v. 1480

Pinacoteca di Brera, Milan

Le Christ gît les pieds vers vous, en un raccourci radical — si audacieux que Mantegna a réduit les pieds pour qu'ils ne masquent pas le corps.

La Lamentation sur le Christ mort, de Mantegna : un corps en raccourci radical, les pieds tournés vers le spectateur ; une audacieuse expérience de perspective qui frappe droit au cœur.

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171 Renaissance nordique

La Descente de croix

Rogier van der Weyden v. 1435

Wallace Collection, London

Le corps de Marie évanouie épouse en miroir la courbe du Christ mort — et des arbalètes cachées désignent la guilde qui la commanda.

La Descente de croix de Rogier van der Weyden : dix figures telles des sculptures peintes dans une niche peu profonde ; le sommet de la précision émotionnelle de la peinture des primitifs flamands.

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172 Siècle d'or néerlandais

Le Cavalier riant

Frans Hals 1624

Le cavalier ne rit pas — un demi-sourire fanfaron, tout au plus — et le titre ne fut inventé qu'au XIXe siècle.

Le Cavalier riant de Frans Hals : un élégant à la moustache fringante et au sourire à peine esquissé, peint de touches vives et audacieuses, un portrait débordant de vie.

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173 Rococo

L'Embarquement pour Cythère

Antoine Watteau 1717

L’Académie inventa tout un genre pour Watteau — et les spécialistes débattent encore : les amants abordent-ils l’île de l’amour ou la quittent-ils ?

« L’Embarquement pour Cythère » de Watteau : des couples élégants sur l’île de l’amour dans une brume dorée, un rêve mélancolique avec lequel commence le rococo.

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174 Préraphaélite

Proserpine

Dante Gabriel Rossetti 1874

Guggenheim Museum, New York

Le modèle, Jane Morris, était l'amour secret de Rossetti — et, comme Proserpine, prisonnière d'un mariage malheureux.

Proserpine, de Rossetti : une prisonnière des enfers tenant une grenade entamée ; symbole sensuel de la fatalité, peint avec la bien-aimée de l’artiste.

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175 Avant-garde

Senecio

Paul Klee 1922

Kunstmuseum Basel

Une tête bâtie de simples triangles et rectangles — et pourtant vivante et malicieuse.

Senecio de Paul Klee : un visage composé de taches géométriques colorées ; un jeu presque enfantin et pourtant profond de la forme, de la couleur et du sourire.

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176 Surréalisme

La Terre labourée

Joan Miró 1923-1924

Un œil et une oreille poussent sur l'arbre — la nature « voit » et « entend » — dans le premier tableau pleinement surréaliste de Miró.

La Terre labourée de Joan Miró : une ferme catalane muée en rêve, un œil dans un arbre, une plante en forme d’oreille et des animaux-symboles à la place d’un paysage réel.

Source : Wikipedia

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177 Première Renaissance

L'Annonciation

Fra Angelico v. 1440-1445

Convent of San Marco, Florence

Un moine la peignit juste à côté de l’escalier menant aux cellules — pour que les frères la rencontrent chaque matin en allant prier.

« L’Annonciation » de Fra Angelico : l’ange et Marie sous les arches légères d’un couvent, une scène paisible et recueillie en haut de l’escalier des moines de San Marco.

Source : Wikipedia

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178 Antiquité

Vénus de Milo

Alexandros d'Antioche v. 130-100 av. J.-C.