Chefs-d'œuvre de l'art mondial

La Joconde

Léonard de Vinci v. 1503-1506

Louvre, Paris

Volée au Louvre en 1911 — et ce sont les deux ans de traque qui en ont fait le tableau le plus célèbre du monde.

Léonard de Vinci commença la Joconde à Florence au début du XVIe siècle et semble avoir continué à la perfectionner pendant des années, emportant le portrait avec lui tandis qu’il en ajustait les transitions vaporeuses, les mains et l’expression réputée insaisissable. Ce processus prolongé, presque méditatif, est l’une des raisons pour lesquelles le tableau est devenu l’une des images les plus étudiées et les plus énigmatiques de l’histoire de l’art.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

La Naissance de Vénus

Sandro Botticelli v. 1484-1486

Uffizi Gallery, Florence

Botticelli a peint ce colosse sur toile plutôt que sur panneau — assez léger pour voyager entre les villas des Médicis.

Botticelli peignit La Naissance de Vénus pour le cercle des Médicis à Florence, mêlant le mythe antique, la poésie humaniste et une figure en mouvement d’une légèreté inhabituelle. Le tableau devint l’emblème durable non seulement de la beauté, mais aussi de l’ambition de la Renaissance de concilier la nature, le corps et l’harmonie idéale.

Source de l'introduction : Uffizi

Les Époux Arnolfini

Jan van Eyck 1434

National Gallery, London

Le minuscule miroir convexe du fond reflète deux personnes qui entrent — dont l’une serait van Eyck lui-même, en un précoce autoportrait caché.

Un intérieur domestique devient un dense système de signes sur le statut, le mariage, la richesse et la présence attestée.

La Jeune Fille à la perle

Johannes Vermeer v. 1665

Mauritshuis, The Hague

En 1881, elle fut vendue pour environ deux florins — le prix d'une miche de pain — tant elle était encrassée que nul n'en distinguait le sujet.

La Jeune Fille à la perle est une peinture à l’huile du maître néerlandais du Siècle d’or Johannes Vermeer, datée de 1665 environ. Désignée sous divers noms au fil des siècles, elle a acquis son titre actuel vers la fin du XXe siècle.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

Les Ménines

Diego Vélasquez 1656

Museo del Prado, Madrid

Les rayons X révèlent que la croix rouge de chevalier de Velázquez fut ajoutée plus tard — il ne fut fait chevalier que trois ans après le tableau.

« Les Ménines » est un tableau de 1656 conservé au musée du Prado de Madrid, œuvre de Diego Vélasquez, principal artiste de la cour du roi Philippe IV d’Espagne et du Portugal et du Siècle d’or espagnol.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

Impression, soleil levant

Claude Monet 1872

Musee Marmottan Monet, Paris

Le mot « impressionnisme » est né d'une raillerie sur le titre de ce tableau — volé en 1985, il ne fut retrouvé que cinq ans plus tard.

Impression, soleil levant est un tableau peint par Claude Monet en 1872, présenté pour la première fois lors de ce qui allait devenir l’« Exposition des impressionnistes », tenue à Paris en avril 1874. C’est à cette toile que l’on attribue l’origine du nom du mouvement impressionniste.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

La Grande Vague de Kanagawa

Katsushika Hokusai v. 1831

The Met, New York

Sous la vague, ce ne sont pas des pêcheurs, mais des coursiers qui filaient livrer du poisson vivant aux marchés d’Edo.

La Grande Vague de Kanagawa est une estampe sur bois de l’artiste japonais de l’ukiyo-e Hokusai (1760-1849), réalisée à la fin de 1831 durant l’époque Edo de l’histoire japonaise. L’estampe figure trois barques progressant sur une mer déchaînée, une grande vague déferlante formant une spirale au centre au-dessus des embarcations et le mont Fuji à l’arrière-plan.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

La Nuit étoilée

Vincent van Gogh 1889

Museum of Modern Art (MoMA), New York

Van Gogh l'a peinte à l'asile de Saint-Rémy — d'après sa fenêtre, mais le village en contrebas est inventé.

La Nuit étoilée est une peinture à l’huile sur toile du peintre postimpressionniste néerlandais Vincent van Gogh. Peinte en juin 1889, elle représente la vue depuis la fenêtre orientée à l’est de sa chambre à l’asile de Saint-Rémy-de-Provence, juste avant l’aube, à laquelle s’ajoute un village imaginaire.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

auteur : Beehivebaker · licence : CC BY-SA 4.0 · Wikimedia Commons

Le Baiser

Gustav Klimt 1908-1909

Belvedere, Vienna

Klimt a employé de la véritable feuille d’or — et les amants se tiennent au bord même d’une falaise fleurie, à un pas de l’abîme.

« Le Baiser » est une peinture à l’huile sur toile rehaussée de feuilles d’or, d’argent et de platine, réalisée par le peintre symboliste autrichien Gustav Klimt. Elle fut peinte à un moment situé entre 1907 et 1908, à l’apogée de ce que les spécialistes appellent sa « période dorée ».

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

Le Cri

Edvard Munch 1893

National Museum, Oslo

Une version porte ces mots griffonnés, « seul un fou a pu peindre cela » — et l'écriture s'est révélée être celle de Munch lui-même.

Le Cri est une composition artistique réalisée par le peintre norvégien Edvard Munch en 1893. Le titre norvégien de l’œuvre est Skrik (« cri »), et le titre allemand sous lequel elle fut exposée pour la première fois est Der Schrei der Natur.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

Composition VIII

Vassily Kandinsky 1923

Guggenheim Museum, New York

Kandinsky était synesthète — il « entendait » les couleurs et disait que le jaune sonne comme une trompette.

Kandinsky traduit la musique, les mathématiques et le mouvement en un langage de formes pures où le récit n’est plus nécessaire.

La Persistance de la mémoire

Salvador Dalí 1931

Museum of Modern Art (MoMA), New York

L'icône des montres molles est minuscule — à peine 24 × 33 cm, la taille d'une feuille de papier.

La Persistance de la mémoire est un tableau de 1931 de l’artiste Salvador Dalí et l’une des œuvres les plus emblématiques du surréalisme.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

Guernica

Pablo Picasso 1937

Museo Reina Sofia, Madrid

Picasso a peint la toile de près de huit mètres en 35 jours — et en a interdit l’entrée en Espagne tant que vivrait Franco.

Picasso peignit « Guernica » en 1937 pour le pavillon espagnol de l’Exposition internationale de Paris, après le bombardement de la ville basque de Guernica. L’immense toile monochrome transforma l’horreur de la guerre civile espagnole en l’une des images antimilitaristes les plus emblématiques du XXe siècle.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

Les Demoiselles d’Avignon

Pablo Picasso 1907

Museum of Modern Art (MoMA), New York

Picasso cacha la toile deux ans — même ses amis peintres furent choqués.

Pablo Picasso peignit Les Demoiselles d’Avignon à Paris en 1907 : cinq figures aux visages de masque brisent la perspective et ouvrent la voie au cubisme.

Source de l’introduction : Wikipedia (FR)

American Gothique

Grant Wood 1930

Art Institute of Chicago, Chicago

Ce sont un père et sa fille, non un couple marié — les modèles étaient la sœur de l'artiste et son dentiste.

American Gothique est une peinture à l’huile sur panneau de fibres de 1930 de l’artiste régionaliste américain Grant Wood, représentant un fermier du Midwest et sa femme ou sa fille debout devant leur maison de style Carpenter Gothique. C’est l’une des peintures américaines les plus célèbres du XXe siècle, fréquemment reprise dans la culture populaire.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

Nighthawks

Edward Hopper 1942

Art Institute of Chicago, Chicago

Le café n’a aucune porte visible sur la rue — Hopper l’a voulu ainsi, enfermant ses personnages derrière la vitre.

Hopper peignit Nighthawks en 1942, s’inspirant d’un carrefour nocturne de Manhattan et du sentiment d’isolement urbain propre au temps de guerre. Son restaurant vivement éclairé et ses personnages emmurés dans leur solitude en firent une icône durable de la solitude américaine et de la vie de la ville moderne.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

L'Homme de Vitruve

Léonard de Vinci v. 1490

Gallerie dell'Accademia, Venice

L'Italie a bloqué son prêt au Louvre en 2019 — et il s'agit en réalité de deux dessins superposés, aux marges couvertes de l'écriture en miroir de Léonard.

L’Homme de Vitruve est un dessin de l’artiste et savant de la Renaissance italienne Léonard de Vinci, daté de 1490 environ. Inspiré de l’architecte romain Vitruve, il représente un homme nu dans deux positions debout superposées, inscrit dans un cercle et un carré.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

Les Deux Frida

Frida Kahlo 1939

Museum of Modern Art, Mexico City

Deux cœurs à nu reliés par une seule artère — Kahlo l’a peint l’année de son divorce d’avec Rivera.

« Les Deux Fridas » est une peinture à l’huile de l’artiste mexicaine Frida Kahlo. Ce fut la première œuvre de grand format réalisée par Kahlo et elle est considérée comme l’une de ses peintures les plus remarquables. Il s’agit d’un double autoportrait représentant deux versions de Kahlo assises côte à côte.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

Autoportrait au collier d'épines

Frida Kahlo 1940

Harry Ransom Center, Austin

Le colibri mort est un porte-bonheur amoureux mexicain — chez Kahlo, il pend sans vie à un collier d'épines.

Autoportrait au collier d’épines et au colibri est un autoportrait de 1940 de la peintre mexicaine Frida Kahlo, où figurent également un chat noir, un singe et deux libellules. Elle le peignit après son divorce d’avec Diego Rivera et la fin de sa liaison avec le photographe Nickolas Muray.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

La Colonne brisée

Frida Kahlo 1944

Museo Dolores Olmedo, Mexico City

À la place de sa colonne vertébrale, une colonne antique fissurée — Kahlo la peignit après une opération du dos, sanglée des mois dans un corset d’acier.

La Colonne brisée est une peinture à l’huile sur masonite de l’artiste mexicaine Frida Kahlo, réalisée en 1944 peu après qu’elle eut subi une opération de la colonne vertébrale destinée à corriger les troubles persistants résultant d’un grave accident de la route dont elle avait été victime à l’âge de 18 ans.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

Quelques cercles

Vassily Kandinsky 1926

Guggenheim Museum, New York

Kandinsky appelait le cercle « une synthèse des plus grandes oppositions » — et le fond sombre transforme ces cercles en astres.

Kandinsky construit une composition cosmique où le cercle devient tout à la fois forme, rythme et événement énergétique.

Jaune-rouge-bleu

Vassily Kandinsky 1925

Centre Pompidou, Paris

Une grande toile du Bauhaus (127 × 200 cm) où Kandinsky bâtit l’abstraction presque comme de la musique — à partir de la seule couleur et de la seule forme.

Kandinsky peignit « Jaune-Rouge-Bleu » pendant ses années au Bauhaus, lorsqu’il cherchait à réunir la couleur, la géométrie et la résonance intérieure de la forme en un seul système. La toile de 1925 est souvent lue comme un manifeste d’une abstraction construite presque comme de la musique.

Source de l'introduction : Centre Pompidou

Rhythm 0

Marina Abramović 1974

Studio Morra, Naples

72 objets sur la table — dont un pistolet chargé ; à la sixième heure, un spectateur l'a pointé sur la tête d'Abramović.

Rhythm 0 est la performance réalisée par Marina Abramović en 1974, au cours de laquelle elle demeura immobile pendant six heures auprès de 72 objets, laissant le public en user sur elle à sa guise. L’œuvre devint une leçon brutale sur le regard du spectateur, la vulnérabilité du corps et la vitesse à laquelle la liberté collective peut virer à la violence.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

Au lieu de la documentation de la performance, le site présente un portrait public de l’artiste provenant de Wikimedia Commons (usage contextuel et pédagogique).

auteur : StagiaireMGIMO · licence : CC BY-SA 4.0 · Wikimedia Commons

L'Artiste est présente

Marina Abramović 2010

Museum of Modern Art (MoMA), New York

Abramović resta assise 736 heures durant trois mois — puis son ancien compagnon Ulay surgit sans prévenir, s’assit face à elle, et tous deux fondirent en larmes.

En 2010, au MoMA, Marina Abramović passa près de trois mois assise en silence à une table, invitant les visiteurs à croiser son regard un à un. La performance transforma la simple présence en un événement d’une grande intensité émotionnelle et devint l’une des œuvres muséales les plus commentées du XXIe siècle.

Source de l'introduction : MoMA

auteur : Andrew Russeth · licence : CC BY-SA 2.0 · Wikimedia Commons

Balkan Baroque

Marina Abramović 1997

Venice Biennale, Venice

Abramović a récuré 1 500 os de vache sanglants six heures par jour pendant quatre jours — et a remporté le Lion d'or.

Balkan Baroque est la performance de Marina Abramović réalisée en 1997 en hommage aux victimes des guerres de l’ex-Yougoslavie. Pendant quatre jours, elle s’est assise des heures durant sur un tas d’os de vache ensanglantés, les frottant tout en chantant et en parlant, transformant l’impossibilité de la purification en une image du deuil et de la mémoire collectifs.

Source de l'introduction : Wikipédia (FR)

Au lieu de la documentation de la performance, le site présente un portrait public de l’artiste provenant de Wikimedia Commons (usage contextuel et pédagogique).

auteur : StagiaireMGIMO · licence : CC BY-SA 4.0 · Wikimedia Commons