Obras maestras del arte mundial

Busto de Nefertiti

Tutmose h. 1350 a. C.

Neues Museum, Berlin

A Nefertiti le falta el ojo izquierdo, y una tomografía halló un segundo rostro bajo el estuco —arrugas que el escultor ocultó.

El «Busto de Nefertiti» muestra cómo Tutmose convierte el lenguaje del mundo antiguo en una forma plástica coherente.

Victoria alada de Samotracia

Pitócrito h. 175 a. C.

Louvre, Paris

Sin cabeza ni brazos, hallada en cientos de fragmentos — la diosa se yergue en la proa de un navío de guerra, el mármol pareciendo salir al encuentro del viento del mar.

La Victoria alada de Samotracia, o Niké de Samotracia, es un monumento votivo descubierto originalmente en la isla de Samotracia, en el noreste del mar Egeo. Es una obra maestra de la escultura griega del período helenístico, datada a comienzos del siglo II a. C.

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Adán y Eva

Albrecht Dürer 1507

Museo del Prado, Madrid

Los primeros desnudos a tamaño natural de la pintura alemana — antes de Durero, nadie al norte de los Alpes se había atrevido.

Adán y Eva condensa las ideas esenciales del Renacimiento en una imagen pictórica memorable.

El retablo de Gante

Jan van Eyck 1432

St Bavo's Cathedral, Ghent

La obra más robada de la historia — un panel sustraído en 1934 sigue desaparecido, y los nazis estuvieron a punto de volarla en una mina de sal.

El políptico de Gante, también llamado La adoración del Cordero Místico, es un retablo políptico de gran tamaño y notable complejidad del siglo XV que se conserva en la catedral de San Bavón de Gante, en Bélgica. Comenzado hacia mediados de la década de 1420 y concluido en 1432, se atribuye a los pintores primitivos flamencos y hermanos Hubert y Jan van Eyck.

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La Trinidad

Masaccio 1420

Santa Maria Novella, Florence

Durante tres siglos permaneció tapiada tras un altar —y su perspectiva es tan convincente que los espectadores tomaban el muro por una hornacina realmente labrada.

La «Santísima Trinidad» muestra cómo Masaccio convierte el lenguaje del Renacimiento en una imagen monumental coherente.

El retablo de Isenheim

Matthias Grünewald 1512

Unterlinden Museum, Colmar

Pintado para un hospital que trataba el ergotismo gangrenoso — las llagas de Cristo reflejan a propósito las heridas de los enfermos moribundos que rezaban ante él.

El retablo de Isenheim es un retablo esculpido y pintado, respectivamente, por los alemanes Nikolaus Hagenauer y Matthias Grünewald entre 1512 y 1516. Se conserva en el Museo de Unterlinden de Colmar, en Alsacia, Francia.

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La dama del armiño

Leonardo da Vinci 1490

Czartoryski Museum, Krakow

Los rayos X revelan que al principio no había armiño — Leonardo lo añadió después — y el fondo negro oculta una puerta tras ella.

La dama del armiño es un retrato del artista renacentista italiano Leonardo da Vinci. Fechado hacia 1489-1491, está pintado al óleo sobre una tabla de nogal. Su modelo es Cecilia Gallerani, amante de Ludovico Sforza, duque de Milán; Leonardo era en aquel momento pintor de la corte de los Sforza en Milán.

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La primavera

Sandro Botticelli 1480

Uffizi Gallery, Florence

Los botánicos cuentan unas 200 especies vegetales floreciendo a la vez — y los estudiosos aún no se ponen de acuerdo sobre qué significa el cuadro.

La primavera se impone como una de las obras emblemáticas del Renacimiento, en la que la voz plástica de Sandro Botticelli se vuelve inconfundible.

Los embajadores

Hans Holbein el Joven 1533

National Gallery, London

Esa mancha alargada en la parte inferior es una calavera en anamorfosis —solo cobra nitidez cuando se mira el lienzo desde un costado.

«Los embajadores» muestra cómo Hans Holbein el Joven convierte el lenguaje del Renacimiento en una imagen pictórica coherente.

La creación de Adán

Miguel Ángel 1511

Sistine Chapel, Vatican City

Muchos médicos ven el contorno de un corte del cerebro humano alrededor de Dios — y los dedos de Dios y de Adán en realidad nunca llegan a tocarse.

La creación de Adán, conocida también como La creación del hombre, es un fresco del artista italiano Miguel Ángel que forma parte de la bóveda de la Capilla Sixtina, pintada entre 1508 y 1512. Ilustra el relato bíblico de la creación del Génesis, en el que Dios da vida a Adán, el primer hombre.

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El jardín de las delicias

El Bosco 1490

Museo del Prado, Madrid

Un condenado lleva notas musicales tatuadas en las nalgas — desde entonces los aficionados han transcrito y tocado la «canción del infierno».

El jardín de las delicias es el título moderno que se da a un tríptico de cinco tablas del maestro flamenco primitivo El Bosco, pintado entre 1490 y 1510, cuando el artista tenía entre 40 y 60 años. Debido a las creencias religiosas del Bosco, las interpretaciones de la obra suelen considerarla una advertencia contra los peligros de la tentación.

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La cosecha

Pieter Brueghel el Viejo 1565

Metropolitan Museum of Art, New York

Uno de los primeros cuadros cuyo tema es la estación misma, y no un pasaje bíblico — y un campesino duerme bajo el árbol, la boca abierta y los calzones desabrochados.

La cosecha se impone como una de las obras emblemáticas del Renacimiento, en la que la voz plástica de Pieter Brueghel el Viejo se vuelve inconfundible.

Cazadores en la nieve

Pieter Brueghel el Viejo 1565

Kunsthistorisches Museum, Vienna

Uno de los primeros paisajes nevados de la historia del arte, pintado durante la Pequeña Edad de Hielo —Tarkovski y von Trier lo citaron en el cine.

«Los cazadores en la nieve» muestra cómo Pieter Brueghel el Viejo convierte el lenguaje del Renacimiento en una imagen pictórica coherente.

El Juicio Final

Miguel Ángel 1600

Sistine Chapel, Vatican City

La Iglesia encargó a otro pintor añadir paños de pureza (el «calzonero») — mientras que Miguel Ángel metió en el infierno a un crítico y escondió su propio rostro en una piel desollada.

En El Juicio Final, Miguel Ángel hace especialmente legibles la estructura, la escala y la lógica del Renacimiento.

La última cena

Leonardo da Vinci 1490

Santa Maria delle Grazie, Milan

No es un fresco — Leonardo empleó una pintura experimental sobre muro seco, y empezó a desconcharse en veinte años; más tarde los monjes abrieron una puerta a la altura de los pies de Cristo.

La última cena condensa las ideas esenciales del Renacimiento en una imagen monumental memorable.

Los desposorios de la Virgen

Rafael 1504

Pinacoteca di Brera, Milan

Rafael tenía 21 años — y firmó el templo con letras enormes, anunciando a un nuevo maestro que acababa de superar a su propio profesor.

Los desposorios de la Virgen se imponen como una de las obras emblemáticas del Renacimiento, en la que la voz plástica de Rafael se vuelve inconfundible.

La escuela de Atenas

Rafael 1512

Apostolic Palace, Vatican City

Los filósofos llevan los rostros de sus contemporáneos —Platón es Leonardo; el meditabundo Heráclito, Miguel Ángel—, y Rafael tenía solo 26 años.

«La escuela de Atenas» es un fresco del artista renacentista italiano Rafael. Fue pintado entre 1509 y 1511 como parte de un encargo del papa Julio II para decorar las estancias hoy llamadas Estancias de Rafael, en el Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano.

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La tempestad

Giorgione 1506

Gallerie dell'Accademia, Venice

Nadie se pone de acuerdo sobre qué representa (más de 500 lecturas) — y los rayos X revelan que, donde hoy está el hombre, había primero una segunda mujer desnuda.

En La tempestad, Giorgione hace especialmente legibles la estructura, la escala y la lógica del Renacimiento.

La Venus de Urbino

Tiziano 1538

Uffizi Gallery, Florence

Mark Twain la llamó «el cuadro más soez, más vil y más obsceno que posee el mundo» — perdida por su mirada franca y sin pudor.

La Venus de Urbino es una pintura al óleo del pintor italiano Tiziano que representa a una joven desnuda, identificada tradicionalmente con la diosa Venus, reclinada sobre un lecho en el suntuoso entorno de un palacio renacentista.

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Apolo y Dafne

Gian Lorenzo Bernini 1622

Galleria Borghese, Rome

Los dedos de Dafne brotan en laurel de un único bloque de mármol — hojas tan finas que tintinean al rozarlas.

Apolo y Dafne se impone como una de las obras emblemáticas del Barroco, en la que la voz plástica de Gian Lorenzo Bernini se vuelve inconfundible.

El éxtasis de Santa Teresa

Gian Lorenzo Bernini 1647

Santa Maria della Vittoria, Rome

Bernini montó toda la capilla como un teatro —la luz cae de una ventana oculta mientras espectadores de mármol observan desde palcos.

«El éxtasis de Santa Teresa» es un grupo escultórico de retablo en mármol blanco, dispuesto en una edícula elevada de la Capilla Cornaro, en la iglesia de Santa Maria della Vittoria de Roma. Fue diseñado y esculpido por Gian Lorenzo Bernini, el principal escultor de su época, que también concibió la ambientación de la capilla en mármol, estuco y pintura.

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Judit decapitando a Holofernes

Artemisia Gentileschi 1613

Uffizi Gallery, Florence

Gentileschi lo pintó poco después del juicio a su violador — muchos ven a su agresor en Holofernes y a la propia artista en Judit.

La decapitación de Holofernes a manos de Judit se narra en el libro deuterocanónico de Judit y ha sido tema de numerosas pinturas y esculturas de los períodos renacentista y barroco.

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Las hilanderas

Diego Velázquez 1655

Museo del Prado, Madrid

Durante siglos se vio como un simple taller de tapices — hasta que los estudiosos reconocieron el mito de Aracne, que osó desafiar a una diosa.

Las hilanderas es una pintura del pintor español Diego Velázquez, conservada en el Museo del Prado de Madrid, España. Se la conoce también con el título de La fábula de Aracne. La mayoría de los estudiosos la considera una obra tardía del artista, fechada entre 1657 y 1658, aunque algunos sostienen que fue realizada hacia esa época.

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La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp

Rembrandt 1632

Mauritshuis, The Hague

Rembrandt tenía 26 años — el cadáver es un ladrón ahorcado esa misma mañana, y el brazo diseccionado está «mal», copiado de un tratado y no del cuerpo.

La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp es una pintura al óleo sobre lienzo de 1632 de Rembrandt que se conserva en el museo Mauritshuis de La Haya, en los Países Bajos. Fue concebida originalmente para exhibirse en la sala de reuniones del Gremio de Cirujanos.

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El arte de la pintura

Johannes Vermeer 1667

Kunsthistorisches Museum, Vienna

Vermeer se negó a venderla incluso ahogado en deudas —y más tarde Hitler la incautó para un museo que nunca llegó a construir.

«El arte de la pintura», también conocido como «La alegoría de la pintura» o «El pintor en su estudio», es una pintura al óleo sobre lienzo del siglo XVII del pintor neerlandés Johannes Vermeer. Pertenece a la República de Austria y se exhibe en el Kunsthistorisches Museum de Viena.

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La vocación de san Mateo

Caravaggio 1609

San Luigi dei Francesi, Rome

El haz de luz sigue la mano de Cristo — que a su vez cita la de Adán en el techo de Miguel Ángel.

La vocación de San Mateo es una pintura al óleo del maestro barroco italiano Caravaggio que representa el momento en que Jesucristo llama al recaudador de impuestos Mateo a seguirlo. Fue realizada entre 1599 y 1600 para la capilla Contarelli de la iglesia de la congregación francesa, San Luigi dei Francesi en Roma, donde permanece.

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La conversión de san Pablo

Caravaggio 1600

Santa Maria del Popolo, Rome

Un caballo ocupa el centro, y la luz cegadora solo la ve Pablo — la primera versión fue rechazada por poco decorosa.

La conversión de san Pablo condensa las ideas esenciales del Barroco en una imagen pictórica memorable.

El entierro de Cristo

Caravaggio 1602

Vatican Museums, Vatican City

La losa de piedra se proyecta hacia ti, como si a Cristo lo bajaran a tu propia tumba — Rubens, Cézanne y Géricault la copiaron.

La sepultura de Cristo se impone como una de las obras emblemáticas del Barroco, en la que la voz plástica de Caravaggio se vuelve inconfundible.

La lechera

Johannes Vermeer 1660

Rijksmuseum, Amsterdam

Es diminuta (45×41 cm) —y ese fino chorro de leche son decenas de puntos de luz, mientras un calientapiés y un azulejo con Cupido esconden una discreta insinuación erótica.

«La lechera» muestra cómo Johannes Vermeer convierte el lenguaje del Barroco en una imagen pictórica coherente.

La ronda de noche

Rembrandt 1642

Rijksmuseum, Amsterdam

No es en absoluto una escena nocturna — fue el barniz al oscurecerse — y en 1715 se recortó para caber en un vano, cercenando dos figuras por la izquierda.

La compañía de milicias del distrito II al mando del capitán Frans Banninck Cocq, conocida también como La compañía de tiro de Frans Banning Cocq y Willem van Ruytenburch, pero comúnmente llamada La ronda de noche, es una pintura de 1642 de Rembrandt van Rijn.

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Vista de Delft

Johannes Vermeer 1661

Mauritshuis, The Hague

Proust lo llamó el cuadro más hermoso del mundo — y, gravemente enfermo, se arrastró desde su lecho para verlo y se desplomó al salir.

Vista de Delft es una pintura al óleo de Johannes Vermeer, realizada hacia 1659-1661. Esta vista de la ciudad natal del artista neerlandés figura entre sus obras más conocidas. Es una de las tres representaciones de Delft de Vermeer, junto con La callejuela y la pintura perdida Casa en Delft, y su único paisaje urbano.

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El columpio

Jean-Honoré Fragonard 1767

Wallace Collection, London

Un amante se esconde entre los arbustos mirando bajo su falda mientras el marido, ajeno a todo, empuja el columpio — y el zapato que sale volando insinúa la inocencia perdida.

El columpio puede referirse a: El columpio (Fragonard), pintura al óleo de Jean-Honoré Fragonard, 1767; El columpio (Renoir), pintura al óleo de Pierre-Auguste Renoir, 1876; El columpio (Goya), un cartón para tapiz diseñado por Francisco de Goya; El columpio, 1984, y también su canción homónima, 1984; «El columpio» (canción), una canción grabada por James Bonamy en 1997; «El columpio», un…

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La muerte de Marat

Jacques-Louis David 1793

Royal Museums of Fine Arts of Belgium, Brussels

David conocía a Marat en persona y convirtió el asesinato en un icono político en cuestión de meses —disponiendo al moribundo como un Cristo muerto.

«La muerte de Marat» es una pintura de 1793 de Jacques-Louis David que representa a su amigo, el asesinado líder revolucionario francés Jean-Paul Marat.

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El juramento de los Horacios

Jacques-Louis David 1784

Louvre, Paris

Un encargo real que acabó convertido en grito de guerra republicano — el rey había financiado, en esencia, su propia pesadilla propagandística.

El juramento de los Horacios es una gran pintura del artista francés Jacques-Louis David realizada en 1784 y 1785, hoy expuesta en el Louvre de París. La obra alcanzó de inmediato un enorme éxito entre la crítica y el público, y sigue siendo una de las pinturas más conocidas del estilo neoclásico.

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La familia de Carlos IV

Francisco Goya 1800

Museo del Prado, Madrid

En el centro está la reina, no el rey — muchos creen que era ella quien de verdad gobernaba — mientras Goya acecha en la sombra, evocando a Velázquez.

Carlos IV de España y su familia es un retrato de grupo al óleo sobre lienzo del artista español Francisco de Goya. Comenzó a trabajar en la obra en 1800, poco después de ser nombrado primer pintor de cámara de la familia real, y la concluyó en el verano de 1801.

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La maja desnuda

Francisco Goya 1800

Museo del Prado, Madrid

Uno de los primeros desnudos occidentales sin coartada mitológica — le valió a Goya una comparecencia ante la Inquisición.

La maja desnuda es una pintura al óleo sobre lienzo realizada hacia 1797-1800 por el artista español Francisco de Goya, y se conserva en el Museo del Prado de Madrid desde 1901.

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La libertad guiando al pueblo

Eugène Delacroix 1830

Louvre, Paris

No 1789, sino la Revolución de Julio de 1830 —y el nuevo rey compró el cuadro solo para esconderlo.

«La libertad guiando al pueblo» es una pintura de la época romántica del artista francés Eugène Delacroix, que conmemora la Revolución de Julio de 1830 que derrocó al rey Carlos X.

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Lluvia, vapor y velocidad

J. M. W. Turner 1843

National Gallery, London

Una diminuta liebre corre justo por delante de la locomotora — y, según un relato, Turner se asomó desde un tren a toda marcha en plena tormenta para sentir él mismo el vértigo.

Lluvia, vapor y velocidad. El gran ferrocarril del Oeste es una pintura al óleo del pintor británico del siglo XIX J. M. W. Turner.

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Saturno devorando a su hijo

Francisco Goya 1819

Museo del Prado, Madrid

Goya lo pintó directamente sobre el muro de su propia casa — una pesadilla íntima que jamás quiso mostrar a nadie.

Saturno devorando a su hijo es una pintura del artista español Francisco de Goya. La obra es una de las 14 llamadas Pinturas negras que Goya pintó directamente sobre los muros de su casa en algún momento entre 1820 y 1823. Fue trasladada a lienzo tras la muerte de Goya y se conserva hoy en el Museo del Prado de Madrid.

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La maja vestida

Francisco Goya 1800

Museo del Prado, Madrid

Según la leyenda, se deslizaba sobre la Maja desnuda mediante un mecanismo para ocultarla de las visitas — y, curiosamente, la vestida resulta más picante que la desnuda.

La maja vestida se impone como una de las obras emblemáticas del Romanticismo, en la que la voz plástica de Francisco de Goya se vuelve inconfundible.

El Temerario

J. M. W. Turner 1839

National Gallery, London

Votado el cuadro favorito de Gran Bretaña —un orgulloso navío de guerra a vela remolcado al desguace por un tiznado remolcador de vapor: el fin de un mundo.

«El Temerario remolcado a su último atracadero para ser desguazado, 1838» es una pintura al óleo sobre lienzo del artista inglés Joseph Mallord William Turner, pintada en 1838 y expuesta en la Royal Academy en 1839.

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La carreta de heno

John Constable 1821

National Gallery, London

Ignorado en Inglaterra, deslumbró a París y ganó el oro en el Salón de 1824 — donde los franceses se burlaban de sus motas blancas llamándolas «la nieve de Constable».

La carreta de heno —titulada originalmente Paisaje: mediodía— es una pintura de John Constable, terminada en 1821, que representa una escena rural en el río Stour, entre los condados ingleses de Suffolk y Essex.

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La pesadilla

Henry Fuseli 1781

Detroit Institute of Arts, Detroit

Un íncubo se agazapa sobre el pecho de la durmiente, mientras una yegua de ojos pálidos irrumpe entre las cortinas — y se dice que Freud tenía una estampa de la obra en su consulta.

La pesadilla es una pintura al óleo de 1781 del artista suizo Henry Fuseli. Muestra a una mujer con los brazos caídos por debajo del cuerpo, sumida en un sueño profundo mientras sufre una pesadilla, ante la mirada de un caballo casi oculto, y con un íncubo demoníaco y simiesco agazapado sobre su pecho.

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La balsa de la Medusa

Théodore Géricault 1818

Louvre, Paris

Basado en un naufragio real en el que los supervivientes recurrieron al canibalismo — Géricault estudió cadáveres en la morgue y guardó miembros amputados en su taller para lograr exactitud.

La balsa de la Medusa —titulada originalmente Escena de naufragio— es una pintura al óleo de 1818-1819 del pintor y litógrafo romántico francés Théodore Géricault (1791-1824). Concluida cuando el artista tenía 27 años, la obra se ha convertido en un icono del Romanticismo francés.

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El barco de esclavos

J. M. W. Turner 1840

Museum of Fine Arts, Boston

Inspirado en la atrocidad real del Zong —esclavos enfermos arrojados por la borda para cobrar el seguro—, el crítico Ruskin lo poseyó, pero lo vendió, incapaz de convivir con el horror.

«El barco de esclavos», titulado originalmente «Negreros arrojando por la borda a los muertos y moribundos — se acerca el tifón», es una pintura del artista británico J. M. W. Turner, expuesta por primera vez en la Royal Academy of Arts en 1840.

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El tres de mayo de 1808

Francisco Goya 1814

Museo del Prado, Madrid

El hombre de blanco abre los brazos como un Cristo crucificado — con una llaga de estigma en la palma — mientras el pelotón de fusilamiento es un muro de espaldas sin rostro.

El tres de mayo de 1808 en Madrid, conocido también en español como Los fusilamientos de la montaña del Príncipe Pío o Los fusilamientos del tres de mayo, es una pintura terminada en 1814 por el pintor español Francisco de Goya, hoy en el Museo del Prado de Madrid.

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El caminante sobre el mar de nubes

Caspar David Friedrich 1818

Hamburger Kunsthalle, Hamburg

Nunca vemos su rostro — nos da la espalda, y ocupamos su lugar — y sin embargo el lienzo es diminuto, apenas 95 × 75 cm.

El caminante sobre el mar de nubes es una pintura del artista romántico alemán Caspar David Friedrich, realizada en 1818.

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Un bar del Folies-Bergère

Édouard Manet 1882

Courtauld Gallery, London

El reflejo del espejo es ópticamente imposible — la espalda de la camarera no puede estar donde Manet la situó, y el debate dura ya un siglo.

Un bar del Folies-Bergère es una pintura de Édouard Manet, considerada su última obra mayor. Fue pintada en 1882 y expuesta en el Salón de París de ese mismo año. Representa una escena en la sala de fiestas Folies Bergère de París.

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Un entierro en Ornans

Gustave Courbet 1846

Musee d'Orsay, Paris

Courbet otorgó la escala reservada a coronaciones y batallas a un funeral corriente de pueblo —y el Salón lo tomó como un insulto.

«Un entierro en Ornans» es una pintura de 1849-1850 de Gustave Courbet. Está considerada de forma generalizada como un importante punto de inflexión en el arte francés del siglo XIX. La obra recoge un funeral en la localidad natal de Courbet, la pequeña población de Ornans.

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El almuerzo sobre la hierba

Édouard Manet 1863

Musee d'Orsay, Paris

Rechazado por el Salón, se convirtió en el escándalo del Salón de los Rechazados — y su composición está tomada directamente de un grabado de Rafael.

En El almuerzo sobre la hierba, Édouard Manet hace especialmente legibles la estructura, la escala y la lógica del realismo.

Madame X

John Singer Sargent 1884

Metropolitan Museum of Art, New York

Un simple tirante caído provocó tal escándalo que Sargent lo repintó y huyó de París a Londres.

Madame X condensa las ideas esenciales del realismo en una imagen pictórica memorable.

Olympia

Édouard Manet 1863

Musee d'Orsay, Paris

Se colgó cerca del techo para que los indignados no pudieran pincharla con los paraguas — ella devuelve la mirada de frente, sin coartada mitológica.

Olympia se impone como una de las obras emblemáticas del Realismo, en la que la voz plástica de Édouard Manet se vuelve inconfundible.

El Ángelus

Jean-François Millet 1858

Musee d'Orsay, Paris

Dalí estaba convencido de que bajo el cesto de patatas se ocultaba el ataúd de un niño —y una radiografía del Louvre halló, en efecto, una forma repintada.

«El ángelus» muestra cómo Jean-François Millet convierte el lenguaje del Realismo en una imagen pictórica coherente.

El pífano

Édouard Manet 1866

Musee d'Orsay, Paris

El Salón rechazó El pífano en 1866 — el niño se recorta sobre un vacío gris y plano «como una figura de naipe» — y Zola salió en defensa de Manet.

El pífano, o El joven flautista, es una pintura del pintor francés Édouard Manet, realizada en 1866. Se conserva habitualmente en el Museo de Orsay de París.

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Las espigadoras

Jean-François Millet 1857

Musee d'Orsay, Paris

La crítica acusó a Millet de enarbolar «la bandera roja de la revolución» — por pintar a unas pobres espigadoras como figuras monumentales y dignas.

Las espigadoras es una pintura al óleo de Jean-François Millet concluida en 1857. Se conserva en el Museo de Orsay, en París.

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La clínica Gross

Thomas Eakins 1875

Philadelphia Museum of Art, Philadelphia

La exposición de 1876 la juzgó demasiado sangrienta y la desterró al pabellón de medicina — Filadelfia reunió después 68 millones de dólares para impedir que saliera de la ciudad.

La clínica Gross o La clínica del doctor Gross es una pintura de 1875 del artista estadounidense Thomas Eakins. Es un óleo sobre lienzo y mide 8 pies (240 cm) por 6,5 pies (200 cm).

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El mercado de caballos

Rosa Bonheur 1853

Metropolitan Museum of Art, New York

Bonheur llevaba consigo un permiso policial para vestir pantalones y así poder dibujar en el mercado de caballos entre los hombres.

«La feria de caballos» es una pintura al óleo sobre lienzo de la artista francesa Rosa Bonheur, comenzada en 1852 y expuesta por primera vez en el Salón de París de 1853. Bonheur añadió algunos retoques finales en 1855. La gran obra mide 96,25 pulgadas × 199.

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La madre de Whistler

James McNeill Whistler 1871

Musee d'Orsay, Paris

Su verdadero título es «Arreglo en gris y negro» — y su madre posó solo porque, según la leyenda, la modelo prevista no se presentó.

Arreglo en gris y negro n.º 1, más conocido por su nombre coloquial La madre de Whistler o Retrato de la madre del artista, es una pintura al óleo sobre lienzo creada por el pintor de origen estadounidense James McNeill Whistler en 1871.

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Baile en el Moulin de la Galette

Pierre-Auguste Renoir 1876

Musee d'Orsay, Paris

Renoir subía a diario el enorme lienzo por Montmartre — y la crítica tachó su luz moteada de simple descuido.

Baile en el Moulin de la Galette es una pintura de 1876 del artista francés Pierre-Auguste Renoir.

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La estación de Saint-Lazare

Claude Monet 1877

Musee d'Orsay, Paris

Monet, con sus mejores galas, se coló en la estación a base de labia y logró que retrasaran los trenes y avivaran el vapor — solo por conseguir las volutas de humo perfectas.

La estación de Saint-Lazare es una serie de pinturas al óleo del artista francés Claude Monet. Las obras representan el humeante interior de la homónima estación de ferrocarril en distintas condiciones atmosféricas y desde diversos puntos de vista.

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Los almiares

Claude Monet

Art Institute of Chicago, Chicago

Monet pintó los mismos almiares unas 25 veces —y un joven Kandinsky vio uno y giró hacia la abstracción.

«Los almiares» muestra cómo Claude Monet convierte el lenguaje del Impresionismo en una imagen pictórica coherente.

L'Absinthe

Edgar Degas 1875

Musee d'Orsay, Paris

Los «borrachos» de la mesa eran amigos de Degas posando — y aun así la crítica londinense tachó el cuadro de sórdida advertencia contra la absenta.

La absenta es una pintura de Edgar Degas, realizada entre 1875 y 1876. Su título original era Dans un café, nombre que a menudo se emplea hoy.

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El almuerzo de los remeros

Pierre-Auguste Renoir 1880

The Phillips Collection, Washington, D.C.

La joven del perrito es Aline, la futura esposa de Renoir — y casi cada rostro de la escena es un amigo con nombre y apellido.

El almuerzo de los remeros es una pintura de 1881 del impresionista francés Pierre-Auguste Renoir. Expuesta en la Séptima Exposición Impresionista de 1882, fue señalada como la mejor pintura de la muestra por tres críticos.

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La serie de la catedral de Ruan

Claude Monet 1892

Musee d'Orsay, Paris

Una sola fachada, unos 30 lienzos — Monet alquiló una habitación al otro lado de la plaza y terminó la mitad de memoria de vuelta en Giverny.

La serie de la catedral de Ruan se impone como una de las obras emblemáticas del Impresionismo, en la que la voz plástica de Claude Monet se vuelve inconfundible.

La clase de danza

Edgar Degas 1871

Musee d'Orsay, Paris

Degas pintó la rutina agotadora de los bastidores, no la gloria —bostezos, rascados, cansancio—, y el anciano es un auténtico maestro de baile de la Ópera.

«La clase de danza» muestra cómo Edgar Degas convierte el lenguaje del Impresionismo en una imagen pictórica coherente.

Los nenúfares

Claude Monet 1914

Musee de l'Orangerie, Paris

Unos 250 lienzos de su propio estanque de Giverny — Monet los pintó casi ciego por las cataratas y repintó zonas tras operarse de la vista.

En Los nenúfares, Claude Monet hace especialmente legibles la estructura, la escala y la lógica del impresionismo.

Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte

Georges Seurat 1884

Art Institute of Chicago, Chicago

La dama de la derecha pasea un mono con correa — para los parisinos de 1880 era un chiste picante, no una nota de moda.

Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte fue pintada entre 1884 y 1886 y es la obra más célebre de Georges Seurat. Está reconocida como un ejemplo destacado de la técnica puntillista y como una obra fundacional del movimiento neoimpresionista.

Fuente de la introducción: Wikipedia (ES)

El dormitorio en Arlés

Vincent van Gogh 1888

Van Gogh Museum, Amsterdam

Van Gogh pintó el dormitorio tres veces, dos de ellas desde el manicomio — y sus paredes lilas se han descolorido con el tiempo hasta volverse azules.

El dormitorio en Arlés es el título dado a tres pinturas similares del pintor postimpresionista neerlandés del siglo XIX Vincent van Gogh.

Fuente de la introducción: Wikipedia (ES)

Terraza de café por la noche

Vincent van Gogh 1888

Kroller-Muller Museum, Otterlo

Van Gogh pintó aquí un cielo estrellado antes de La noche estrellada —y lo del sombrero con velas es una leyenda de 1922: trabajaba a la luz de gas.

«Terraza de café por la noche» es una pintura al óleo de 1888 del artista neerlandés Vincent van Gogh. También se la conoce como «La terraza del café de la plaza del Foro» y, cuando se expuso por primera vez en 1891, llevaba el título de «Café, por la noche».

Fuente de la introducción: Wikipedia (ES)

Los lirios

Vincent van Gogh 1889

J. Paul Getty Museum, Los Angeles

Van Gogh pintó Los lirios en su primera semana en el manicomio, y lo llamaba su «pararrayos» contra la locura — un lirio blanco destaca entre los azules.

En Los lirios, Vincent van Gogh hace especialmente legibles la estructura, la escala y la lógica del posimpresionismo.

El monte Sainte-Victoire

Paul Cézanne 1902

Philadelphia Museum of Art, Philadelphia

Cézanne pintó la misma montaña unas 80 veces a lo largo de 30 años — y sus últimos lienzos empujaron a Picasso y Braque hacia el cubismo.

La montaña Sainte-Victoire condensa las ideas esenciales del posimpresionismo en una imagen pictórica memorable.

Autorretrato con la oreja vendada

Vincent van Gogh 1889

Courtauld Gallery, London

Van Gogh pintó este autorretrato apenas unas semanas después de cortarse parte de la oreja con una navaja en Arlés.

Autorretrato con la oreja vendada es un autorretrato de 1889 del artista postimpresionista neerlandés Vincent van Gogh. La pintura pertenece a la colección del Instituto Courtauld de Arte y se exhibe en la galería de Somerset House.

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La noche estrellada sobre el Ródano

Vincent van Gogh 1888

Musee d'Orsay, Paris

No es la arremolinada Noche estrellada de las postales (esa está en Nueva York) —aquí una diminuta pareja pasea bajo las estrellas, una callada nota de amor.

«Noche estrellada», comúnmente conocida como «Noche estrellada sobre el Ródano», es una de las pinturas que Vincent van Gogh dedicó a Arlés de noche. Fue pintada a orillas del Ródano, a solo uno o dos minutos a pie de la Casa Amarilla de la plaza Lamartine, que van Gogh alquilaba por entonces.

Fuente de la introducción: Wikipedia (ES)

Los girasoles

Vincent van Gogh 1888

National Gallery, London

Van Gogh pintó los girasoles para dar la bienvenida a Gauguin — y sus amarillos de cromo se van apagando en marrón, por lo que los museos mantienen ahora la luz tenue.

En Los girasoles, Vincent van Gogh hace especialmente legibles la estructura, la escala y la lógica del posimpresionismo.

Los jugadores de cartas

Paul Cézanne 1893

Musee d'Orsay, Paris

Una versión se vendió a Catar por unos 250 millones de dólares — durante un tiempo, el cuadro más caro de la historia.

Los jugadores de cartas es una serie de pinturas al óleo del artista posimpresionista francés Paul Cézanne. Realizada durante el último período de Cézanne, a comienzos de la década de 1890, la serie está compuesta por cinco pinturas. Las versiones varían en tamaño, en el número de jugadores y en el entorno en que transcurre la partida.

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El café de noche

Vincent van Gogh 1888

Yale University Art Gallery, New Haven

Van Gogh lo pintó en tres noches seguidas — decidido a mostrar «un lugar donde uno puede arruinarse, volverse loco o cometer un crimen».

El café de noche es una pintura al óleo realizada por el artista neerlandés Vincent van Gogh en septiembre de 1888 en Arlés. Su título aparece inscrito abajo a la derecha, bajo la firma. La pintura es propiedad de la Universidad de Yale y se conserva actualmente en la Yale University Art Gallery de New Haven, Connecticut.

Fuente de la introducción: Wikipedia (ES)

La visión tras el sermón

Paul Gauguin 1888

National Galleries of Scotland, Edinburgh

Gauguin pintó el suelo de un rojo intenso para plasmar la visión de las campesinas —y el cura del lugar rechazó como regalo aquel cuadro «extraño».

«La visión después del sermón (La lucha de Jacob con el ángel)» es una pintura al óleo del artista francés Paul Gauguin, terminada en 1888. Actualmente se conserva en la Galería Nacional de Escocia, en Edimburgo. Representa una escena de la Biblia en la que Jacob lucha con un ángel.

Fuente de la introducción: Wikipedia (ES)

Trigal con cuervos

Vincent van Gogh 1890

Van Gogh Museum, Amsterdam

Mitificado durante mucho tiempo como su último cuadro — tres caminos no llevan a ninguna parte, y él escribió que buscaba expresar «la tristeza y la soledad extrema».

Campo de trigo con cuervos es una pintura de julio de 1890 de Vincent van Gogh. Varios críticos la han señalado como una de sus obras más grandes.

Fuente de la introducción: Wikipedia (ES)

¿De dónde venimos? ¿Qué somos? ¿Adónde vamos?

Paul Gauguin 1897

Museum of Fine Arts, Boston

El «testamento» de Gauguin, pintado en un arrebato febril en Tahití — después, dice, intentó suicidarse con arsénico; léase de derecha a izquierda.

¿De dónde venimos? ¿Qué somos? ¿Adónde vamos? es una pintura de 1897-1898 del artista francés Paul Gauguin. Fue creada en Tahití y se conserva en el Museo de Bellas Artes de Boston, Massachusetts. Considerada una obra maestra por Gauguin, la pintura se tiene por «una obra filosófica comparable a los temas de los Evangelios».

Fuente de la introducción: Wikipedia (ES)

Le Talisman, l'Aven au Bois d'Amour

Paul Sérusier 1888

Musee d'Orsay, Paris

Un diminuto panel de 27×21 cm — en realidad la tapa de una caja de puros — pintado en el momento siguiendo las instrucciones del propio Gauguin.

El talismán, el Aven en el Bois d’Amour se impone como una de las obras emblemáticas del Simbolismo, en la que la voz plástica de Paul Sérusier se vuelve inconfundible.

Retrato de Adele Bloch-Bauer I

Gustav Klimt 1907

Neue Galerie, New York

Los nazis lo incautaron y lo rebautizaron «La dama de oro» para ocultar el nombre judío de la retratada —y hizo falta un pleito histórico para recuperarlo.

El «Retrato de Adele Bloch-Bauer I» muestra cómo Gustav Klimt convierte el lenguaje del simbolismo en una imagen pictórica coherente.

El sueño

Henri Rousseau 1910

Museo de Arte Moderno (MoMA), Nueva York

El último gran lienzo de Rousseau — que nunca había visto una selva y la estudiaba, en su lugar, en el jardín botánico de París.

En El sueño, Henri Rousseau hace especialmente legibles la estructura, la escala y la lógica del simbolismo.

La dama de Shalott

John William Waterhouse 1888

Tate Britain, London

La doncella maldita miró de frente a Lanzarote — y ahora se deja llevar hacia Camelot para morir; de las tres velas de su barca, dos ya se han apagado.

La dama de Shalott condensa las ideas esenciales del simbolismo en una imagen pictórica memorable.

La gitana dormida

Henri Rousseau 1897

Museo de Arte Moderno (MoMA), Nueva York

Un león olfatea a la durmiente sin atacarla — y el autodidacta funcionario de aduanas, ridiculizado por ingenuo, fue después aclamado por los surrealistas como su precursor.

La gitana dormida es una pintura al óleo sobre lienzo de 1897 del artista naíf francés Henri Rousseau (1844-1910). Es una representación fantástica de un león que contempla a una mujer dormida en una noche iluminada por la luna. Se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, al que fue donada por Olga Guggenheim en 1939.

Fuente de la introducción: Wikipedia (ES)

La danza

Henri Matisse 1910

Hermitage Museum, Saint Petersburg

La enorme Danza se sostiene con solo tres colores —y su mecenas Schukin la rechazó por telegrama, para cambiar de idea en el tren de vuelta a casa.

«La danza» muestra cómo Henri Matisse convierte el lenguaje del modernismo en una imagen pictórica coherente.

El taller rojo

Henri Matisse 1911

Museo de Arte Moderno (MoMA), Nueva York

El taller nunca fue rojo — bajo el cadmio se esconde un azul verdoso — y el lienzo pasó cerca de una década como decoración en un club nocturno de Londres.

En El taller rojo, Henri Matisse hace especialmente legibles la estructura, la escala y la lógica del modernismo.

La ventana abierta

Henri Matisse 1905

National Gallery of Art, Washington, D.C.

Expuesta en 1905, cuando un crítico horrorizado bautizó a los pintores como «fieras» (fauves) — así nació el fovismo, y aquí el agua bien puede ser rosa.

La ventana abierta condensa las ideas esenciales del modernismo en una imagen pictórica memorable.

Mujer con sombrero

Henri Matisse 1905

San Francisco Museo de Arte Moderno (MoMA), San Francisco

Este es justamente el cuadro que valió el insulto de «fieras» — y, preguntada de qué color era en realidad su vestido, la mujer de Matisse respondió sin más: «negro».

La mujer del sombrero se impone como una de las obras emblemáticas del Modernismo, en la que la voz plástica de Henri Matisse se vuelve inconfundible.

Cuadrado negro (1915)

Kazimir Malévich 1915

Tretyakov Gallery, Moscow

Malévich lo colgó en el rincón de los iconos, en lugar de un santo —y las radiografías hallaron dos pinturas ocultas bajo el negro.

«Cuadrado negro» (1915) muestra cómo Kazimir Malévich convierte el lenguaje de la vanguardia en una imagen pictórica coherente.

Broadway Boogie Woogie

Piet Mondrian 1942

Museo de Arte Moderno (MoMA), Nueva York

En su última obra terminada, Mondrian renunció a las líneas negras que había pintado toda su vida y las reconstruyó a base de diminutas luces de color.

Broadway Boogie Woogie es una pintura al óleo sobre lienzo de Piet Mondrian, terminada en 1943, después de que se trasladara a Nueva York en 1940.

Fuente de la introducción: Wikipedia (ES)

Composición II en rojo, azul y amarillo

Piet Mondrian 1930

Kunsthaus Zurich, Zurich

Solo tres colores primarios en un cuadrado de 45 cm — y aun así acabó en los vestidos de Yves Saint Laurent.

Composición II en rojo, azul y amarillo condensa las ideas esenciales de la vanguardia en una imagen pictórica memorable.

Composición suprematista

Kazimir Malévich 1916

Stedelijk Museum, Amsterdam

Se vendió por unos 85 millones de dólares — récord del arte ruso — y Malévich llamó a su suprematismo el «grado cero de la forma».

Composición suprematista (rectángulo azul sobre la viga roja) es una pintura de 1916 de Kazimir Malévich, pintor ruso de la abstracción geométrica.

Fuente de la introducción: Wikipedia (ES)

Blanco sobre blanco

Kazimir Malévich 1918

Museo de Arte Moderno (MoMA), Nueva York

Un cuadrado blanco sobre blanco —la pintura llevada casi a su límite absoluto, décadas antes del minimalismo.

«Composición suprematista: blanco sobre blanco» muestra cómo Kazimir Malévich convierte el lenguaje de la vanguardia en una imagen pictórica coherente.

Pájaro en el espacio

Constantin Brâncuși 1923

Philadelphia Museum of Art, Philadelphia

La aduana estadounidense la gravó como un utensilio de cocina — hasta que un fallo judicial de 1928 reconoció la escultura abstracta como arte.

Pájaro en el espacio es una serie de esculturas del escultor rumano Constantin Brâncuși. La obra original se creó en 1923 y era de mármol. La serie es conocida también por reunir siete figuras en mármol y nueve fundiciones en bronce.

Fuente de la introducción: Wikipedia (ES)

David

Miguel Ángel 1500

Galleria dell'Accademia, Florence

Miguel Ángel talló el David de un bloque que dos escultores habían abandonado por inservible — agrandando la cabeza y la mano para verlo desde abajo.

El David condensa las ideas esenciales de la escultura y la forma en una forma plástica memorable.

La pequeña bailarina de catorce años

Edgar Degas 1881

National Gallery of Art, Washington, D.C.

Degas vistió a la bailarina de bronce con un tutú y una cinta de verdad — y el original en cera escandalizó al público, tachado de «feo» y vulgar.

La pequeña bailarina de catorce años es una escultura iniciada hacia 1880 por Edgar Degas, que representa a una joven alumna de la escuela de danza de la Ópera de París, una belga llamada Marie van Goethem.

Fuente de la introducción: Wikipedia (ES)

Moisés

Miguel Ángel 1510

San Pietro in Vincoli, Rome

Los cuernos nacen de una mala traducción bíblica de «radiante» —y la leyenda dice que Miguel Ángel golpeó la rodilla y gritó: «¡Ahora habla!».

El «Moisés» muestra cómo Miguel Ángel convierte el lenguaje de la escultura y la forma en una forma plástica coherente.

La Piedad

Miguel Ángel 1499

St. Peter's Basilica, Vatican City

La única obra firmada por Miguel Ángel — grabó su nombre en la banda que cruza el pecho de María tras oír que atribuían la Piedad a otro escultor.

La Piedad es una escultura en mármol de Carrara de Jesús y María en el monte Gólgota, que representa el «sexto dolor» de la Virgen María, obra de Miguel Ángel Buonarroti, en la basílica de San Pedro de la Ciudad del Vaticano, para la que fue creada. Es una obra clave de la escultura del Renacimiento italiano y suele considerarse el inicio del Alto Renacimiento.

Fuente de la introducción: Wikipedia (ES)

Los burgueses de Calais

Auguste Rodin 1888

Musee Rodin, Paris

Rodin rechazó el pedestal para que los seis condenados quedaran a la altura de nuestros ojos — los comitentes querían héroes y recibieron la desesperación humana.

Los burgueses de Calais condensa las ideas esenciales de la escultura y la forma en una forma plástica memorable.

El beso

Auguste Rodin 1880

Musee Rodin, Paris

La pareja nació como Paolo y Francesca entre los condenados de las Puertas del Infierno — hasta que Rodin los sacó de allí por parecer demasiado felices para el infierno.

El beso se impone como una de las obras emblemáticas de la escultura y la forma, en la que la voz plástica de Auguste Rodin se vuelve inconfundible.

El beso

Constantin Brâncuși 1909

National Museum of Art of Romania, Bucharest

Brancusi respondió al Beso de Rodin con dos bloques de piedra casi cúbicos —y una versión sigue en pie como lápida en el cementerio de Montparnasse.

«El beso» muestra cómo Constantin Brâncuși convierte el lenguaje de la escultura y la forma en una forma plástica coherente.

El pensador

Auguste Rodin 1882

Musee Rodin, Paris

El pensador nació como un Dante meditabundo en lo alto de las Puertas del Infierno — y un vaciado de Cleveland, dinamitado en 1970, aún se expone con la base destrozada.

El pensador, de Auguste Rodin, es una escultura en bronce que representa una figura masculina desnuda de tamaño heroico, sentada sobre una gran roca, inclinada hacia delante, con el codo derecho apoyado en el muslo izquierdo y el dorso de la mano derecha sosteniendo el mentón, en una postura evocadora de profunda reflexión y contemplación.

Fuente de la introducción: Wikipedia (ES)

Formas únicas de continuidad en el espacio

Umberto Boccioni 1913

Museo de Arte Moderno (MoMA), Nueva York

Boccioni nunca la vio en bronce — modeló la figura en yeso en 1913 y murió en 1916, antes de que se fundiera un solo ejemplar.

Formas únicas de continuidad en el espacio es una escultura futurista de bronce de 1913 de Umberto Boccioni. Se interpreta como una expresión del movimiento y la fluidez. La escultura figura en el anverso de la moneda italiana de 20 céntimos de euro.

Fuente de la introducción: Wikipedia (ES)

Viento fresco, mañana clara

Katsushika Hokusai 1830

Yamanashi Prefectural Museum, Yamanashi

El «Fuji rojo» no es una puesta de sol — las laderas se tiñen de rojo de verdad solo unas pocas mañanas de finales de verano, y Hokusai lo captó.

Viento fresco, mañana clara, también conocida como El Fuji rojo, es una estampa xilográfica del artista japonés Hokusai (1760-1849), perteneciente a su serie Treinta y seis vistas del monte Fuji y fechada hacia 1830-1832. La obra ha sido descrita como «una de las más sencillas y, al mismo tiempo, una de las más sobresalientes de todas las estampas japonesas».

Fuente de la introducción: Wikipedia (ES)

Díptico de Marilyn

Andy Warhol 1962

Tate, London

Warhol serigrafió un único fotograma publicitario de Monroe — la mitad derecha se apaga en blanco y negro, la vida diluyéndose en la muerte.

El «Díptico de Marilyn» de Andy Warhol convierte el rostro de una estrella de cine en un producto reproducido sin fin: un icono del arte pop sobre la fama, la muerte y la cultura de masas.

Fuente: Wikipedia

El hijo del hombre

René Magritte 1964

Colección privada

Un autorretrato cuyo rostro nunca vemos — oculto tras una manzana verde suspendida en el aire.

El hijo del hombre, de René Magritte: un hombre con bombín cuyo rostro queda oculto por una manzana verde suspendida en el aire; un autorretrato sobre cómo lo visible siempre esconde algo más.

Fuente: Wikipedia

El descendimiento de la Cruz

Pedro Pablo Rubens 1612-1614

Cathedral of Our Lady, Antwerp

El cuerpo de Cristo se desliza en una diagonal rotunda sobre un sudario blanco — un solo eje que sostiene toda la abigarrada escena.

El descendimiento de la cruz de Rubens: el panel central de un retablo en el que el cuerpo de Cristo se desliza sobre un sudario blanco a lo largo de una única diagonal; la cima del Barroco flamenco.

Fuente: Wikipedia

Vista de Toledo

El Greco h. 1599-1600

Metropolitan Museum of Art, New York

Uno de los dos únicos paisajes que pintó El Greco —y su cielo de tormenta, eléctrico, parece expresionismo trescientos años antes de tiempo.

La Vista de Toledo de El Greco: uno de los primeros grandes paisajes de la pintura occidental, una ciudad bajo un cielo tormentoso y electrizado, pintada como una visión más que como un mapa.

Fuente: Wikipedia

Whaam!

Roy Lichtenstein 1963

Tate, London

Lichtenstein amplió una viñeta de un cómic bélico de DC de 1962 hasta los dos metros de ancho — puntos de impresión Ben-Day incluidos, todo a mano.

«Whaam!» de Roy Lichtenstein: una explosión sacada de un cómic bélico ampliada sobre dos enormes lienzos, arte elevado que habla el lenguaje de la impresión de masas.

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Ritmo de otoño (Número 30)

Jackson Pollock 1950

Metropolitan Museum of Art, New York

Pollock nunca tocó el lienzo con el pincel — vertía y goteaba la pintura, y en ella quedaron atrapadas colillas de cigarrillo.

Ritmo de otoño, de Jackson Pollock: un lienzo que el artista salpicó y vertió con todo el cuerpo; pura energía del movimiento, sin imagen alguna.

Fuente: Wikipedia

Niña con globo

Banksy 2002

Mural callejero / versiones privadas

En 2018 se autodestruyó con una trituradora dentro del marco justo tras venderse en Sotheby’s — y luego se revendió por 18,5 millones de libras, muchas veces más.

La niña con globo de Banksy: una figura que tiende la mano hacia un globo rojo en forma de corazón que se le escapa; la imagen más célebre del arte urbano, que una vez se autodestruyó en directo en una subasta.

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A Bigger Splash

David Hockney 1967

Tate, London

Hockney dedicó cerca de dos semanas y pinceles diminutos a una salpicadura que dura un segundo —y del clavadista ya no queda rastro.

A Bigger Splash de David Hockney: una piscina californiana, luz plana y un único instante de movimiento, la salpicadura de un clavado que nunca llegamos a ver.

Fuente: Wikipedia

Venus de Milo

Alejandro de Antioquía h. 130-100 a. C.

Louvre, Paris

Un campesino la desenterró en Milos en 1820 — nunca se hallaron sus brazos perdidos, y el nombre de su escultor se leyó en un fragmento del pedestal que también acabó por perderse.

La Venus de Milo es una estatua helenística de la diosa del amor, hallada en la isla griega de Milos en 1820, ya sin sus brazos. Se conserva en el Louvre.

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La Trinidad

Andréi Rubliov h. 1425-1427

Tretyakov Gallery, Moscow

Tres ángeles forman un único círculo de unidad divina — y el icono quedó oculto bajo un barniz ennegrecido durante siglos, descubierto solo a comienzos del siglo XX.

La Trinidad de Andréi Rubliov muestra a tres ángeles sentados en torno a una misma mesa: la cima de la pintura de iconos de la Rusia medieval y uno de los tesoros centrales de la Ortodoxia.

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Los sirgadores del Volga

Iliá Repin 1870-1873

Russian Museum, St Petersburg

Repin estudió del natural a los sirgadores del Volga durante tres veranos —y la obra lo hizo célebre en toda Rusia a los 26 años.

Los sirgadores del Volga muestra a once hombres extenuados que arrastran una barcaza contra la corriente: la imagen más reconocible del trabajo en la pintura rusa.

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La novena ola

Iván Aivazovski 1850

Russian Museum, St Petersburg

Aivazovsky pintó el mar enteramente de memoria, sin apuntes del natural — y a los náufragos aferrados a un mástil les dejó, a propósito, una última esperanza.

«La novena ola» muestra a los supervivientes de un naufragio aferrados a un mástil roto en medio de una tormenta bañada por el sol.

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El hombre controlador del universo

Diego Rivera 1934

Palacio de Bellas Artes, Mexico City

Rivera la repintó de memoria después de que los Rockefeller destruyeran el original por un retrato de Lenin que se negó a borrar.

Un fresco monumental sobre la técnica, la ciencia y la lucha de clases, recreado por Rivera en Ciudad de México después de que la versión original fuera destruida en Nueva York.

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Calabaza

Yayoi Kusama década de 1990 — actualidad

varios lugares y colecciones

Para Kusama la calabaza es un autorretrato y un consuelo frente a las alucinaciones que la acompañan de por vida — desde 1977 vive por voluntad propia en un hospital psiquiátrico.

Calabaza es el autorretrato escultórico de Yayoi Kusama, recubierto de sus característicos lunares: una de las imágenes más reconocibles del arte contemporáneo.

Fuente de la introducción: Wikipedia (ES)